Música
Hoy se cumplen 31 años de la muerte de Freddie Mercury
En el día de su aniversario hacemos un recorrido por sus canciones más memorables
Hoy se cumplen 31 años de la muerte de Freddie Mercury. El gran icono de la música que falleció el 24 de noviembre de 1991, a los 45 años, víctima de complicaciones derivadas del sida.
Su imagen quedó cristalizada. Freddie Mercury quedó cincelado en el imaginario colectivo es el de sus últimos años de apogeo con Queen, el cantante y showman que deslumbraba al mundo, el del Live Aid, las giras globales, el monstruo que llenaba el escenario, el que hacía que estadios enteros centraran su vista en él sin necesidad de parafernalia ni fuegos artificiales.
Con una voz que la ciencia se encargó de explicar, entrega y un manejo escénico descomunal.
En sus años más esplendorosos, en aquellos en que la chispa creativa de Freddie y de todo el grupo era más brillante, ni Queen ni su cantante recibieron el favor de la crítica especializada.
Había algo en su teatralidad, una combinación de potencia y exhibición, en el éxito y el riesgo que no los terminaba de acomodar en ninguno de los casilleros disponibles.
La vida de Freddie Mercury tuvo de todo.
Éxito, drama, amor, polémicas, sufrimiento y una muerta lenta, secreta y atroz.
Queen en sus primeros años. La gran explosión de la banda llegaría con el álbum Una Noche en la Ópera (Photo by Michael Putland/Getty Images)
Su infancia y su familia:
El 5 de septiembre de 1946 Farrokh Bulsara (Freddie) nació en Zanzíbar. En ese momento fue un protectorado británico y ahora es territorio de Tanzania. La familia vivió unos años en Inglaterra, otros en India hasta que regresaron a Zanzíbar. Farrokh tocaba el piano y en la escuela sus maestros reconocieron su vocación.
La madre le pedía que se escondiera, que entrara por la puerta de atrás: las visitas no tenían que verlo. Unos años después, el planeta entero lo miraba y millones lo imitaban. Y la madre empezó a contarles a todos los vecinos que ese era su hijo. Él no había cambiado demasiado. La personalidad exuberante, las uñas pintadas, los atuendos estrafalarios, la vocación por hacerse notar. Los que habían cambiado eran los otros.
En 1964 una revolución en la inestable Zanzíbar hizo que los Bulsara emigraran definitivamente. Se radicaron en Londres. Allí Farrokh se convirtió en Freddie. Estudió artes y diseño gráfico y buscó bandas y lugares en los que desarrollar su vocación musical.
Hacía covers de canciones de Cliff Richards e integró Ibex, una banda que quería emular a Cream. Su compañero de habitación era Tim Staffel. Era el cantante y bajista de otra banda, Smile.
Con un nuevo cantante, y en busca de un bajista, la banda era otra y por lo tanto necesitaba también un nuevo nombre. Freddie propuso: Queen.
Al ver el gesto receloso de los otros, se apresuró a justificar su elección:
“Es un nombre que tiene que ver con la realeza, es universal, contundente, musical, inmediato y, principalmente suena espléndido”, dijo.
Roger Taylor contó que al principio creyó que era una broma, que la connotación gay era demasiado evidente. Pero Freddie expuso sus argumentos seductoramente y los convenció.
Fue la primera de muchas batallas que ganaría.
Freddie junto a Brian May (Photo by Koh Hasebe/Shinko Music/Getty Images)
Freddie se convierte cambia su apellido:
Freddie cambió su apellido original por Mercury. Le pareció que era más acorde a una estrella. Algo que siempre tuvo la convicción que llegaría a ser. Una compañera de estudios, Audrey Maiden, contó que a los veinte años en cada formulario que llenaba, cuando le preguntaban la profesión, Freddie escribía músico. “No importa si no es verdad todavía, muy pronto lo será”, decía él.
El 27 de junio de 1970 Queen tocó por primera vez en público. La primera canción que se escuchó, según algunos de los testigos, fue Stone Cold Crazy. En ese tiempo el repertorio fue integrado por canciones de Smile, algunas propias y varios covers. Esa noche demostró que tenía un carisma especial. Más allá de algunos pifies técnicos y varias inconsistencias, su presencia escénica era llamativa.
No nació para pasar inadvertido. “Fue la primera vez que cantó con nosotros. Pero parecía que que nació sobre un escenario. Cantaba bien, claro. Pero lo sorprendente era todo lo otro. Era mucho más que un cantante. Era un performer” rememoró Roger Taylor.
Tardaron dos años en grabar su primer disco cuyo título era sólo el nombre de la banda. La tapa, toda una declaración de principios. Un seguidor iluminando a Freddie en escena, algo de humo, el gesto teatral, los brazos levantados y el micrófono de pie en una mano. Una imagen exuberante para que nadie se sorprendiera con lo que iba a encontrar. O, tal vez, una profecía de lo que sería su carrera.
El quiebre, el momento de la explosión definitiva, en el que todo tomaría otra dimensión, llegó cinco años después del debut con el lanzamiento de Una Noche en la Ópera.
El álbum fue un suceso extraordinario. Sin lugar a dudas, lo que consiguió instalar definitivamente a la banda fue Rapsodia Bohemia, un tema que representó al grupo de una manera cabal.
Ambición, ideas, exuberancia, personalidad. No aceptaron sacar el tema como single editado y acortado. Ese debía ser el sencillo de promoción y debía durar más de seis minutos.
Asimismo, los ejecutivos de la discográfica consideraron un suicidio editar el tema.
Por eso motivo se preguntaron: “¿Qué radio va a pasar una canción de 6 minutos?”
Y la respuesta fue: todas y durante más de cuarenta años:
«… Mamma ohhh ohhh, Galileo, Scaramouche…», ópera, solo de guitarra imbatible, balada, historia de un asesinato, ausencia de estribillo, sobregrabaciones: una canción inmortal.
“Desde el principio fue como su pequeño bebé. Freddy siempre supo que quiso, hacia donde iba con la canción. Nosotros sólo ayudamos a llevarla a buen destino”, contó Brian May. El riff de guitarra de May también fue ideado por Freddie. En un piano le mostró lo que quería para esa sección de la canción.
En el mismo disco hay otra gran canción firmada por Freddie que tiene una historia particular:
«Love of my Life»
Es una balada que algunos dicen la escribió pensando en Mary Austin, su novia eterna. Otros que está dedicada a David Minns, manager del cantante Eddie Howell. Minns fue uno de los tantos amores de Freddie.
El tema, tiene una preciosa parte de arpa por parte de Brian May. Al principio pasó tan desapercibido que Queen durante las dos giras siguientes no la tocó en sus shows en vivo.
Posteriormente luego de un nuevo arreglo de May, en el que Freddie con el piano y él con la guitarra quedaron solos en el escenario se convirtió en una de las favoritas del público.
Taylor contó asombrado como en Argentina esa parte fue la más emotivas de sus recitales.
La canción -y su versión en vivo- ya eran conocidas porque estaba incluido en Live Killers.
Mary Austin fue su novia durante seis años.
Pero la amistad entre ellos duró hasta el final. La relación está bien mostrada en Bohemian Rhapsody.
A mediados de los setenta, él le confesó: su homosexualidad. El cariño, el vínculo y la amistad sobrevivió a la revelación. Freddie decía en cada oportunidad que se presentaba que Mary era su única amiga verdadera. A ella le contaba sus secretos más íntimos y era de la única persona que escuchaba consejos. Mary cuidó a Freddie a lo largo de su convalecencia final. Freddie le dejó su fortuna y confió en ella la decisión de todos sus asuntos finales (el destino de sus restos) y póstumos.
Otro de los amores de Freddie fue Paul Prenter trabajaba en una radio de Belfast. Pasaba discos de soul y oldies por las noches. En 1975 conoció a Freddie Mercury. Las circunstancias del primer encuentro son difusas. Hay quienes aseguran que se conocieron en un bar, en una de las habituales incursiones nocturnas de Freddie; mientras que otros sostienen que primero se convirtió en asistente del manager de la banda y así se produjo el primer acercamiento. Con el tiempo Prenter, fue su amante, su asistente personal y luego se convirtió en manager.
Ambos tenían un cierta similitud física.
Brian May, el guitarrista de Queen, pone sobre Prenter la carga más pesada de las malas decisiones del grupo a principios de los ochenta. No es extraño, entonces, que la película centre todos los males de la banda en su persona dado el rol fundamental de May en la misma.
Prenter, además de por su relación íntima con Mercury, consiguió su lugar como manager al delatar frente a los otros tres miembros del grupo que el anterior encargado de los negocios de Queen, John Reid, negociaba conseguir un disco solista para Mercury. Paradójicamente, seis años después, fue Prenter el que firmó un muy beneficioso acuerdo de varios millones de dólares para la aventura solitaria de Mercury. El disco se llamó Mr. Bad Guy y no tuvo demasiada repercusión.
En mayo de 1987 Freddie Mercury ocupó la portada de los diarios sensacionalistas ingleses por varios días, fue Prenter que vendió a su viejo amigo por 32 mil libras de la época.
Primero llevó a la tapa la noticia de que dos de los amantes de Mercury habían muerto de SIDA.
Al día siguiente la portada se cubrió con un textual de Prenter: “Es más fácil que Freddie camine sobre las aguas que verlo salir con mujeres”.
Ese día también contó que Freddie tuvo su primera relación homosexual a los 14 años en la India mientras cursaba sus primeros años en el colegio secundario y que en las giras continuaba de fiesta todos los días hasta las 7 de la mañana y siempre conseguía algún hombre con quien dormir. “Odiaba dormir solo”, dijo Prenter. El tercer día fue el golpe de gracia: Título con letra catástrofe, “All the Queen’s men” y una doble página con decenas de fotos de Mercury abrazado con distintos hombres.
En 1985 Freddie comenzó una relación con Jim Hutton, su última pareja. Con él y con el diagnóstico de la enfermedad, Freddie se refugió en el trabajo y en su grupo. Los últimos años grabaron frenéticamente. Todos sabían que quedaba poco tiempo.
La Rolling Stone llegó a decir que Queen fue la primera banda verdaderamente fascista.
¿Cuál era el género de Queen?
Incursionaron en el Heavy Metal, en el vaudeville, el pop, lo operística, la balada, el glam y una decena de estilos más. A veces intentaban hacerlo todo a la vez. Bordeaban la frontera de lo bizarro pero superaron el desafío a fuerza de talento, desparpajo y una demencial confianza en sí mismos. El encanto de lo excesivo representado en la magnética figura de su cantante. Pero no sólo se trató de la inmensidad escénica de Mercury.
La versión de Radio Ga Ga de Queen
El público, en cada uno de sus conciertos se convertía en el coro más grande del mundo. Con juego de luces, un sonido de una potencia infernal, escenografía, cambios de vestuario, diseño de escenario, lenguas de fuego. Era un espectáculo que conducía un showman único, un encantador de multitudes.
Uno de las cumbres de sus presentaciones en vivo fue la célebre presentación de 1985 en el Live Aid.
Poco más de un cuarto de hora que subyugó y terminó de cimentar el mito. 16 horas. Dos estadios. Más de 50 súper estrellas del rock. 1.500 millones de espectadores. Cientos de millones de dólares de recaudación. Más de 150 países conectados. 16 horas de televisación ininterrumpida. Un músico alcanza la canonización. Sobresale en esa aglomeración de talentos. Es Freddie Mercury.
Bob Geldof, el organizador del evento benéfico televisado globalmente, dijo: “Fue el escenario perfecto para Freddie, la medida exacta para él: el mundo entero”
Hay artistas que logran que una imagen se convierte en icónica. Para él decenas de looks. Ninguno para pasar inadvertido: Originales, estentóreos, inolvidables, recordándonos siempre que él era una estrella y que todo se trataba de un show, un gran show.
Al año siguiente, Queen realizó su última. Después primó el hermetismo y el trabajo en estudio.
A fines de los ochenta el deterioro físico de Mercury era evidente. Perdía peso y energías y sus apariciones públicas eran cada vez más escasas. Los rumores sobre la salud de Freddie se amontonaban en los diarios. En agosto de 1991, mientras los periodistas buscaban que alguna enfermera les diera información sobre la salud de Mercury. Pero se les pasó la noticia que Paul Prenter falleció como consecuencia del SIDA. Solo, abandonado, sin dinero y sin siquiera conseguir la atención final de la prensa que buscó con denuedo.
Tres meses después, el 23 de noviembre de 1991, el agente de prensa de Freddie Mercury dio a conocer un escueto comunicado que confirmaron los rumores y los peores temores de los fans: “En virtud de las enorme atención que la prensa brindó al asunto en las últimas dos semanas, deseo confirmar que dió positivo de HIV y que por lo tanto padezco de SIDA. Creía adecuado mantener en secreto esta situación hasta la fecha para conseguir la tranquilidad de quienes me rodean. Pero llegó el momento para que mis amigos y fans de todo el mundo conozcan la verdad y junto a los doctores me ayuden en la batalla contra esta terrible enfermedad”.
No hubo demasiado tiempo para conmociones. Era otra época y las noticias corrían más lento. Al día siguiente, el 24 de noviembre de 1991, Freddie Mercury moría en su mansión.
Freddie Mercury cumpliría 76 años: el homenaje a su figura que más se está recordando estos días
Música
«Con Vos» NO ES UN VIDEOCLIP: LALI, SANTAOLALLA Y BAJOFONDO CREAN UN UNIVERSO QUE INCOMODA
Con “Con Vos”, el colectivo musical une a Lali y Gustavo Santaolalla en un film dirigido por Tomás García que mezcla ciencia ficción, inteligencia artificial y emociones humanas.
MUSICA- “Con Vos”, la colaboración de Lali, Gustavo Santaolalla y Bajofondo, trasciende los límites de un videoclip convencional con un film de Tomás García que combina ciencia ficción, inteligencia artificial y una inquietante reflexión sobre la identidad y las emociones humanas. Hay obras que se presentan para ser escuchadas. Otras, para ser vistas. Y hay proyectos que buscan algo más difícil: dejar una pregunta dando vueltas después de que termina la música.
Eso es lo que propone “Con Vos”, la colaboración de todos estos genios y que llegó acompañada por un film dirigido por Tomás García. La producción rompe con la lógica habitual del videoclip y construye un universo propio, con personajes, reglas y una estética futurista que combina fascinación e incomodidad.
El resultado no es solamente un encuentro entre figuras de distintas generaciones de la música argentina. También es una experiencia audiovisual que pone sobre la mesa una discusión cada vez más presente: qué sucede cuando la inteligencia artificial entra en el territorio de la creación artística.
Un futuro donde la ternura también puede ser una forma de control
El mundo que aparece en “Con Vos” tiene algo de sueño extraño y algo de pesadilla tecnológica.
Los habitantes de esa sociedad llevan implantes con formas de juguetes sobre sus rostros. En ese escenario, unas misteriosas cabinas amarillas prometen convertir a las personas en estrellas. Pero la promesa tiene un precio: entregar sus sentimientos más profundos.
La imagen funciona como una puerta de entrada a un universo en el que el deseo de reconocimiento convive con la pérdida de identidad. Ser aceptado, pertenecer y convertirse en alguien parecen objetivos capaces de justificar cualquier sacrificio.
La pregunta aparece casi de inmediato: ¿cuánto de nosotros estamos dispuestos a entregar para encajar?
La historia no necesita ofrecer una explicación cerrada. Su fuerza está en las imágenes, en los símbolos y en la sensación de extrañeza que atraviesa toda la propuesta.
La ciencia ficción funciona como un espejo deformado del presente. En una época marcada por las pantallas, la exposición permanente y la búsqueda de aprobación, el film invita a pensar qué ocurre cuando la imagen que mostramos empieza a ocupar el lugar de lo que somos.
La canción fue el comienzo de todo
La particularidad del proyecto está en su proceso creativo. Según explicó el equipo, la canción no fue utilizada simplemente como fondo musical para una sucesión de imágenes atractivas.
Fue el punto de partida para desarrollar una historia.
Gustavo Santaolalla se acercó al trabajo de Tomás García después de conocer su instalación artística Todo Mi Ruido. A partir de ese encuentro surgió la idea de llevar aquel universo visual a una producción vinculada con una canción que Bajofondo estaba preparando junto a Lali.
La propuesta fue creciendo hasta convertirse en un proyecto cinematográfico con identidad propia.
La música aportó el impulso inicial. Después llegaron los personajes, las reglas de ese mundo y una narrativa que busca convivir con la canción, sin limitarse a ilustrar literalmente su letra.
Ese cambio de perspectiva resulta importante. En lugar de pensar el videoclip como una herramienta promocional, el equipo apostó por una obra que pudiera sostenerse también desde lo visual y lo conceptual.
Dos años y medio para construir un universo artificial
El desarrollo de “Con Vos” demandó alrededor de dos años y medio, entre 2024 y 2026. Durante ese período, el equipo atravesó interrupciones, pruebas y cambios tecnológicos que obligaron a revisar el trabajo.
La inteligencia artificial generativa tuvo un papel central en la construcción de los escenarios y en el desarrollo de la estética visual.
El proyecto avanzó mientras evolucionaban las herramientas disponibles. Eso implicó experimentar, descartar resultados y volver sobre decisiones que parecían resueltas.
No se trató de apretar un botón y obtener una película terminada. La producción exigió un proceso de búsqueda artística y técnica para conseguir que las imágenes respondieran a una misma visión.
El trabajo también incluyó una plataforma digital, desarrollada para ampliar la experiencia del público y mostrar parte del detrás de escena, los diseños de personajes y los experimentos visuales que quedaron fuera de la versión final.
En ese recorrido aparece otra dimensión de la obra: la inteligencia artificial no solo modifica la imagen que vemos. También transforma los tiempos, los procedimientos y las decisiones que intervienen en una producción audiovisual.
Lali y Santaolalla: el factor humano en medio de la tecnología
En una producción atravesada por herramientas digitales, la presencia física de los protagonistas adquiere un valor especial.
Las actuaciones de Lali y Santaolalla fueron filmadas en una jornada de rodaje. La coreografía de la cantante, diseñada por Leticia Mazur, exigió una intensa repetición de movimientos: Lali llegó a realizar 57 tomas.
El director decidió mantener esa interpretación humana en lugar de generar el baile mediante inteligencia artificial.
La decisión expresa una idea que atraviesa todo el proyecto: la tecnología puede ampliar las posibilidades visuales, pero no necesariamente debe reemplazar cada gesto, movimiento o expresión.
Hay una diferencia entre fabricar una imagen convincente y registrar una interpretación. En el segundo caso, intervienen el cuerpo, el esfuerzo, el tiempo y una serie de pequeñas imperfecciones que forman parte de la experiencia artística.
La combinación entre ambos recursos constituye uno de los aspectos más interesantes de “Con Vos”. Los escenarios pueden ser artificiales, pero las personas que los habitan siguen aportando algo irreemplazable: su presencia.
La polémica que llegó antes que la canción
El uso de inteligencia artificial también provocó cuestionamientos en redes sociales antes del estreno.
Una seguidora le pidió a Lali que evitara participar en proyectos que utilizaran esta tecnología. La cantante respondió defendiendo el trabajo de Tomás García y su equipo, y destacó la invitación de Santaolalla para formar parte de la canción.
El intercambio puso en primer plano una discusión que atraviesa actualmente a la industria musical y audiovisual.
Para algunos, la inteligencia artificial representa una amenaza para los trabajadores creativos y puede facilitar la sustitución de tareas humanas. Para otros, ofrece herramientas que permiten explorar lenguajes visuales y posibilidades de producción antes inaccesibles.
También existen interrogantes sobre los derechos de autor, el consentimiento, la utilización de obras para entrenar modelos y el reconocimiento del trabajo artístico.
El caso de “Con Vos” no resuelve esas tensiones. Sí permite observar una experiencia concreta: un equipo que utiliza tecnología generativa para construir buena parte de su universo visual, pero decide preservar la interpretación física de sus protagonistas.
La discusión, por lo tanto, no se limita a estar a favor o en contra de la inteligencia artificial. También obliga a preguntar quién la utiliza, con qué objetivos, bajo qué condiciones y qué lugar conserva el trabajo humano.
Bajofondo vuelve a cruzar las fronteras de la música
La colaboración también representa un encuentro entre distintas identidades musicales.
Bajofondo, el colectivo liderado por Santaolalla y Juan Campodónico, lleva años explorando el cruce entre las raíces rioplatenses y los sonidos electrónicos. El tango, la milonga y otros ritmos de la región conviven en su lenguaje con elementos contemporáneos.
La voz de Lali introduce una dimensión pop que amplía ese territorio sonoro.
“Con Vos” forma parte de la edición deluxe de OHM, el álbum de Bajofondo publicado originalmente en febrero de 2026. Esa versión incorpora cuatro canciones adicionales y presenta la colaboración con la cantante como uno de sus principales atractivos.
Pero el interés del proyecto no reside únicamente en reunir nombres conocidos. La música y el film se complementan para proponer una experiencia que cruza generaciones, lenguajes y formas de producción.
La pregunta que queda después del final
“Con Vos” invita a mirar más allá de la novedad tecnológica. Su universo futurista habla de identidad, reconocimiento, sentimientos y pertenencia. Al mismo tiempo, su proceso de creación pone en discusión el papel de las herramientas digitales en el arte contemporáneo.
La obra plantea una paradoja: utiliza inteligencia artificial para imaginar una sociedad inquietante, pero necesita de actuaciones humanas para sostener buena parte de su fuerza expresiva.
Quizás ahí esté su mayor interés. No en demostrar que una máquina puede producir imágenes sorprendentes, sino en explorar qué ocurre cuando esas imágenes se ponen al servicio de una mirada artística.
Lali, Gustavo Santaolalla y Bajofondo encontraron en Tomás García a un realizador dispuesto a convertir una canción en algo más amplio. El resultado es un film que puede disfrutarse por su estética, analizarse por sus símbolos o discutirse por su tecnología.
Porque la pregunta ya no es solamente qué puede hacer la inteligencia artificial.
La pregunta es qué queremos hacer nosotros con ella y qué partes de nuestra humanidad no estamos dispuestos a entregar en el camino.
Música
¡Increíble pero cierto! Los Red Hot Chili Peppers tocarán en el Gigante de Arroyito
La banda californiana llegará por primera vez a Rosario para encabezar un festival internacional en el Gigante de Arroyito. También anunciaron a The Human League y Happy Mondays.
MUSICA- Los Red Hot Chili Peppers llegarán por primera vez a Rosario para encabezar el Music Gold Festival. El evento se realizará el 12 de junio de 2027 en el estadio de Rosario Central. También anunciaron a The Human League y Happy Mondays, mientras crece la expectativa por los artistas que se sumarán a la grilla.
La noticia sacudió la escena musical y promete convertir a Rosario en uno de los grandes escenarios del rock internacional. Los Red Hot Chili Peppers desembarcarán en el Gigante de Arroyito para protagonizar una jornada que reunirá a figuras de distintas generaciones.
Red Hot Chili Peppers en Rosario: una visita histórica
La confirmación llegó este martes, a través de un anuncio conjunto de la productora Underdog y el Club Atlético Rosario Central. La fecha elegida es el sábado 12 de junio de 2027, cuando el estadio auriazul recibirá al Music Gold Festival.
La presencia de los Red Hot Chili Peppers representa el principal atractivo de una propuesta que busca reunir a miles de fanáticos. La banda californiana cuenta con una extensa trayectoria y canciones que marcaron a varias generaciones de seguidores del rock.
Entre sus clásicos más reconocidos aparecen Californication, Under the Bridge, Otherside, Scar Tissue y Can’t Stop. Su combinación de rock alternativo, funk y melodías reconocibles construyó una identidad musical que mantiene vigencia en todo el mundo.
El anuncio también tiene un condimento especial para el público rosarino. La banda se presentará por primera vez en la ciudad, según la información difundida por los organizadores.
The Human League y Happy Mondays también estarán en el festival
La propuesta no se limitará al rock de California. El Music Gold Festival también anunció a The Human League y Happy Mondays, dos nombres vinculados a diferentes momentos de la música británica.
The Human League alcanzó popularidad internacional con canciones como Don’t You Want Me, uno de los grandes éxitos del pop electrónico de los años 80.
Happy Mondays, por su parte, se convirtió en una referencia de la escena alternativa británica. Su música combinó rock, dance y sonidos asociados al movimiento Madchester, que tuvo gran influencia a fines de los 80 y comienzos de los 90.
La organización anticipó que habrá más artistas por confirmar. Esa información mantiene abierta la expectativa sobre una grilla que podría sumar nuevos nombres internacionales.
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Cuándo salen las entradas para el Music Gold Festival
Además del anuncio de los artistas, los organizadores comunicaron las primeras fechas para conseguir localidades.
La preventa comenzará el jueves 15 de octubre de 2026 y se extenderá durante 24 horas. Según lo informado, habrá facilidades de pago para clientes del Banco Macro.
La venta general arrancará el viernes 16 de octubre, a las 10. Las entradas estarán disponibles exclusivamente a través de la plataforma Entrada Uno.
Por el momento, los organizadores no difundieron en el anuncio los precios de las localidades ni la distribución de los sectores del estadio.
Rosario se prepara para una gran cita internacional
La llegada de los Red Hot Chili Peppers abre un nuevo capítulo para la agenda de espectáculos de Rosario. El Gigante de Arroyito, acostumbrado a recibir grandes multitudes por el fútbol, se prepara para transformarse en escenario de un festival musical internacional.
La fecha también puede despertar el interés de fanáticos de otras ciudades y provincias, que tendrán la oportunidad de organizar su viaje con anticipación.
Todavía quedan detalles por conocer, especialmente los nombres que completarán la programación. Sin embargo, el anuncio ya instaló una noticia que promete dar que hablar entre los seguidores del rock.
Los Red Hot Chili Peppers en Rosario: una combinación que parecía difícil de imaginar y que ahora tiene fecha y escenario confirmados. El 12 de junio de 2027, el Gigante de Arroyito será protagonista de una cita que tendrá a la música internacional como centro de atención.
Música
Ricardo Arjona le regaló un auto a Pocho, el taxista ligado a una de sus canciones más recordadas
Después de décadas de amistad, el cantante guatemalteco protagonizó un emotivo reencuentro con el hombre que lo llevó en taxi en sus primeros años en México y que luego lo acompañó en 12 giras. El artista le regaló un automóvil y recordó una historia que va mucho más allá de la música.
MUSICA- Hay encuentros que permiten viajar al pasado sin moverse del presente. Ricardo Arjona protagonizó uno de esos momentos al reencontrarse con Pocho, el antiguo taxista que conoció hace décadas en la Ciudad de México y que terminó convirtiéndose en una persona importante en su historia.
El cantautor guatemalteco sorprendió a su viejo amigo con un automóvil y convirtió una reunión entre ambos en una escena cargada de recuerdos, gratitud y emoción. El episodio, difundido en plataformas digitales en octubre de 2026, rápidamente llamó la atención por el gesto del músico y por la historia que une a los protagonistas.
Lo que comenzó como un encuentro casual entre un pasajero y un conductor terminó convirtiéndose en un vínculo que atravesó los años y también el mundo de la música.
Doce giras juntos y una historia que pocos conocían
Durante el reencuentro, Arjona recordó cómo conoció a Pocho cuando necesitaba trasladarse por las calles de la capital mexicana. En aquel entonces, difícilmente podían imaginar que volverían a encontrarse tantas veces y que compartirían una parte importante de la trayectoria del artista.
Con el paso del tiempo, Pocho dejó atrás su papel de taxista para colaborar como escenógrafo en las giras del cantante.
Al recordar esa etapa, Arjona calculó inicialmente que habían trabajado juntos en ocho giras. Sin embargo, su amigo lo corrigió: habían sido doce.
La respuesta sorprendió al músico, que reconoció la dimensión de ese recorrido compartido. No se trataba solamente de una relación laboral, sino de años de experiencias, viajes y recuerdos construidos detrás de los escenarios.
El detalle convirtió el encuentro en algo más que una entrega de llaves. Para ambos, el automóvil representaba también una manera de celebrar una historia que había comenzado mucho antes de que llegaran la fama y los grandes escenarios.
El automóvil con un moño rojo que cambió el encuentro
Después de conversar sobre sus vivencias y recordar detalles del pasado, Ricardo Arjona preparó la sorpresa.
El cantante dirigió la atención de Pocho hacia una esquina donde esperaba un automóvil decorado con un gran moño rojo. La escena tomó un giro inesperado cuando el artista confirmó que el vehículo era para él.
La reacción del hombre reflejó la sorpresa del momento. Frente al regalo, Pocho observó el automóvil y comprobó algunas de sus características, mientras Arjona acompañaba la situación con la naturalidad de quien busca compartir una alegría con alguien cercano.
El gesto tuvo un significado especial por la historia que los une. Pocho no fue simplemente un conductor que apareció fugazmente en la vida del músico. Con los años, se convirtió en un colaborador que acompañó diferentes etapas de su carrera.
Por eso, el obsequio también puede leerse como un reconocimiento a esa relación y al camino recorrido durante décadas.
La ayuda que ya había recibido y el agradecimiento de Pocho
La sorpresa también permitió recordar otro episodio de su historia. Durante la conversación, Pocho agradeció la ayuda económica que había recibido anteriormente de Arjona, vinculada con una escenografía que el cantante le había regalado.
Ese antecedente sumó otra dimensión al encuentro. El automóvil no apareció como un gesto aislado, sino dentro de una relación en la que ya habían existido otras muestras de apoyo.
Conmovido por la sorpresa, Pocho recurrió a su teléfono celular para comunicarse con su familia y compartir la noticia. La reacción reflejó la importancia que tenía para él recibir semejante regalo.
Más allá del valor material del vehículo, el momento puso el foco en una relación que sobrevivió al paso del tiempo y a las distintas etapas profesionales de sus protagonistas.
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México, los recuerdos y una canción ligada a los taxis
La historia también conecta con los recuerdos de Ricardo Arjona en México, una ciudad importante en los primeros años de su trayectoria artística.
Las experiencias cotidianas, los encuentros con personas de la calle y las historias urbanas forman parte del universo narrativo del músico. En ese contexto, la figura del taxista remite inevitablemente a una de sus canciones conocidas, El taxista, que retrata situaciones y personajes de la vida cotidiana.
Sin embargo, el reencuentro con Pocho tiene un valor propio: detrás del artista reconocido internacionalmente aparece la memoria de una época en la que sus caminos se cruzaron con los de un trabajador que terminaría acompañándolo durante años.
La escena recupera así una parte de la historia personal del cantante, lejos de los conciertos multitudinarios y de los aplausos.
Ricardo Arjona y Pocho: un regalo que cuenta mucho más
El automóvil con el moño rojo se convirtió en el centro de una sorpresa, pero la historia que rodea al regalo explica por qué el encuentro despertó interés.
Ricardo Arjona volvió a encontrarse con alguien que estuvo presente en una etapa importante de su vida y encontró una manera concreta de agradecer ese recorrido compartido.
La amistad nació en una situación común, en medio del tránsito de una gran ciudad. Con los años, se transformó en una relación que atravesó doce giras y distintas etapas de la carrera del artista.
La sorpresa dejó una imagen poderosa: dos personas que se conocen desde hace décadas, recuerdan sus comienzos y celebran todo lo que vivieron desde aquel primer viaje.
Porque algunas historias no empiezan en un escenario ni necesitan reflectores para convertirse en inolvidables. A veces, comienzan con un taxi, continúan con una amistad inesperada y terminan con un regalo que dice mucho más que cualquier discurso.
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