Cine y Series
Destino Final: la película de terror que traumatizó a los millennials llega a su fin
“En la muerte no hay accidentes, ni coincidencias, ni errores, ni escapatoria.”
Hace veinticinco años, la primera entrega de Destino Final aterrorizó al convertir situaciones cotidianas en trampas mortales. Ahora, tras 14 años de pausa, Final Destination: Bloodlines ajusta la fórmula.
“En la muerte no hay accidentes, ni coincidencias, ni errores, ni escapatoria.”
Esas son las inquietantes palabras del omnisciente funerario William Bludworth (interpretado por Tony Todd) en la primera Destino Final (2000), una película de terror sin asesino enmascarado, vampiro chupasangre ni zombis devoradores de cerebros, solo la presencia constante de la muerte y una cruel realidad: no importa cuánto corramos o cuánto nos escondamos, la muerte nos alcanzará.
En la película original, la muerte no fue precisamente pacífica para un grupo de adolescentes y su profesora, quienes evitaron morir al bajarse de un avión, el fatídico vuelo 180, justo antes de que explotara, gracias a la premonición de uno de ellos. Pero pronto descubren que la Parca quiere ajustar cuentas por haber alterado su “diseño”.
Durante 90 minutos, el público asistió, conteniendo el aliento, a cómo ese antagonista invisible orquestaba muertes complejas y estremecedoras usando objetos cotidianos como un tendedero o un cuchillo de cocina. “Tenía unos 15 años, fui con mis amigas al cine y nos agarrábamos unas a otras”, cuenta la cineasta millennial Diana Ali Chire a la BBC. “Lo del avión fue brillante, porque desde entonces, cada vez que subo a uno, pienso en Final Destination.”
Creada por el guionista Jeffrey Reddick, Destino Final siguió la estela del cine de terror adolescente de los 90 como Scream (1996) o Sé lo que hicieron el verano pasado (1997), y fue un éxito en taquilla, traumatizando a toda una generación de espectadores. “Crecimos con películas slasher de los 90, con jóvenes estrellas del momento, equilibrando sustos con entretenimiento. Destino Final encajaba perfectamente en esa ola”, comenta Mike Muncer, conductor del podcast Evolution of Horror. “Recuerdo ver los afiches y pensar: ‘Esto es totalmente lo mío’.” Pero con su trama macabra y nihilista, también cambió las reglas del juego. “Ya no había un asesino con máscara ni un motivo. Solo era ver a la gente morir, golpeados por lo inesperado.”
La película generó cuatro secuelas, cada una aumentando la espectacularidad de las muertes, antes de tomarse un descanso de 14 años. Pero ahora regresa con una sexta entrega: Final Destination: Bloodlines, que conecta todas las películas anteriores. “Queríamos que formara claramente parte del canon de la franquicia, pero también que se sintiera fresca e impredecible”, dicen sus codirectores Zach Lipovsky y Adam Stein.
De la idea a la pantalla
La franquicia nació cuando Reddick, de 27 años, leyó un artículo durante un vuelo de Nueva York a Kentucky sobre una mujer que evitó una tragedia aérea al cambiar de vuelo por una corazonada de su madre. Eso lo inspiró a escribir un guion para The X-Files, donde “el hermano de Scully tenía una premonición”, explica. “¿Y si burlaban a la muerte y esta iba tras ellos?”
Reddick trabajaba en New Line Cinema y sus compañeros, impresionados por la originalidad del concepto, lo animaron a convertirlo en un largometraje. “Hay un aire a La profecía en Destino Final, pero creo que es bastante única”, dice Muncer.
El guion sufrió varios cambios. Originalmente, la muerte poseía a un detective que investigaba el accidente. Pero el productor Craig Perry quería centrarse en “la intersección entre las coincidencias y los ‘qué hubiera pasado si’”. “Todos hemos sentido un déjà vu o esa sensación de que algo malo está por ocurrir.”
Para equilibrar el fatalismo, los guionistas de The X-Files James Wong y Glen Morgan aportaron ingenio: la muerte se convertía en una entidad juguetona que creaba intrincados accidentes, inspirados en las máquinas en cadena del caricaturista Rube Goldberg. “Hacer que cada objeto colisione de forma plausible es difícil”, reconoce Perry.
En un principio, el estudio quería un antagonista visible, incluso un “ángel de la muerte” físico que atormentara al protagonista Alex (Devon Sawa). Pero Wong y Morgan insistieron en mantener a la muerte como una fuerza abstracta, manifestada con elementos naturales como viento o agua. “Queríamos ceñirnos a los elementos naturales: agua, electricidad, gravedad, cosas que la muerte pudiera manipular.”
En Bloodlines, esta personificación evoluciona: la muerte se representa en pantalla usando el formato IMAX. “Cada escena en que aparece, se expande a IMAX para que la sientas acercarse”, explica Adam Stein.
Un legado letal
Convertir lo mundano en mortal fue clave para el “factor trauma” de Final Destination. Pero lograr que todo resultara creíble no fue fácil. “Tienes que pensar cómo se van a chocar las cosas para que parezca natural”, dice Perry.
Lo que impulsa esas escenas es la ironía dramática: el público sabe que algo terrible va a pasar, pero no cómo. “Así que mirás una lata de atún y después de unos segundos ya no es solo una lata, es un instrumento de muerte.”
El cambio de personajes adultos a adolescentes fue clave, pues el terror adolescente estaba de moda y actores conocidos como Sawa, Ali Larter (Varsity Blues), Kerr Smith (Dawson’s Creek) y Seann William Scott (American Pie) atraían al público joven. “Vi a Devon Sawa en Idle Hands y cuando supe que estaba en Final Destination, quise verla”, recuerda Chire.
Y para los fans del terror, tener a Tony Todd (el Candyman de 1992) como el personaje que explica todo, le daba prestigio. “Le daba peso al terror”, dice Muncer.
La película recaudó más de 112 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de 23 millones. “La mayoría de películas de terror caen un 50% en taquilla tras el estreno, y nosotros veíamos cómo Final Destination subía”, recuerda Reddick. Enseguida comenzó a trabajar en la secuela, cuyo giro era que los nuevos personajes se habían salvado indirectamente porque los del primer filme bajaron del vuelo 180: “como una telaraña que muestra que todas nuestras vidas están conectadas”.
Las claves de la franquicia
Cada película de Final Destination está conectada de alguna forma. Desde un personaje que se salva porque otro tomó su lugar en el cine, hasta la revelación de que Final Destination 5 era una precuela y sus protagonistas mueren en el vuelo 180.
Final Destination 2 dejó una imagen imborrable con el choque múltiple en la autopista provocado por un camión con troncos. “Todavía me mandan memes de eso”, dice Reddick.
El patrón siempre incluye un momento donde el personaje activa involuntariamente una cadena de eventos, y otro donde el azar interviene. “Siempre hay una acción del personaje y una pizca de pura mala suerte”, dice Perry.
También hay mucha distracción deliberada. Por ejemplo, en FD2, Evan Lewis parece morir al resbalar con espaguetis, pero no es así: el momento viene después. “Esa escena fue nuestra guía”, cuenta Lipovsky.
Aunque sabemos que los personajes van a morir, los directores buscan constantemente subvertir esas expectativas. “Queremos que el público diga: ‘No sé quién es el siguiente’.”
Pero siempre deben tener una oportunidad. En Bloodlines, una estudiante intenta romper el ciclo de la muerte iniciado por la premonición de su abuela en los años 60. “¿Cómo darles a los personajes agencia sin quitar el peso del destino?”, se pregunta Perry.
En la quinta entrega, se introduce la idea de matar a otro para heredar su tiempo de vida. “Plantea una cuestión moral: ¿lo harías para sobrevivir?”, añade.
La franquicia no se ata a ninguna religión, y eso la hace aún más universal. “No quería relacionar la muerte con ninguna fe o cultura específica”, explica Reddick. “No damos sermones, pero queremos que el público se quede con una idea: la vida es preciosa.”
Este mensaje se refuerza en Bloodlines, con la última aparición en pantalla de Tony Todd, quien falleció en noviembre de 2024. Su monólogo final fue improvisado. “Le dijimos que hablara desde el corazón, y dijo: ‘Valora, acepta y ama cada momento, porque nunca sabes cuándo terminará’”, recuerda Lipovsky. “Funciona para el personaje, para la saga, y también como legado personal.”
Un futuro inevitable
El impacto cultural de Final Destination sigue vigente, incluso en filmes recientes como The Monkey, con muertes igual de elaboradas. Y dado que hay infinitas formas de morir, las posibilidades de secuelas también lo son.
Si Bloodlines tiene éxito, podríamos ver historias en otros contextos históricos: “Hemos hablado de barcos pirata y hasta de un Game of Thrones versión Destino Final», dicen Stein y Perry.
Pero sin importar dónde o cuándo ocurran las historias, una cosa es segura: la muerte es la gran igualadora. Así que estate atento y busca las señales.
“Si estoy manejando y veo un camión con troncos delante de mí”, dice Chire. “Cambio de carril.”
Final Destination: Bloodlines se estrena en cines del Reino Unido el 14 de mayo y en Estados Unidos el 16 de mayo.
Death is a relentless son of a *****. Final Destination Bloodlines – Only in Theaters and @IMAX May 16. #FinalDestination #FilmedforIMAX pic.twitter.com/I2RPyinzBf
— Final Destination Bloodlines (@FDMovie) March 25, 2025
Cine y Series
Carrie vuelve con una versión aterradora en modo serie: el clásico de Stephen King que ahora apunta al ciberacoso
La nueva versión de Carrie llega a Prime Video con ocho episodios, una protagonista adolescente y una historia que conecta el terror sobrenatural con las humillaciones virales, las redes sociales y la violencia escolar.
CINE Y SERIES- El terror tiene una nueva víctima y una historia que vuelve a incomodar al público. Carrie, el clásico de Stephen King, regresa en formato de serie con una adaptación que traslada los conflictos de la adolescente más aterradora de la literatura a una época dominada por las redes sociales, el ciberacoso y la exposición permanente.
La producción, encabezada por el director y guionista Mike Flanagan, propone una nueva mirada sobre la historia de Carrie White. Esta vez, el sufrimiento de la protagonista no queda limitado a los pasillos de una escuela ni desaparece cuando termina la jornada escolar. En el mundo digital, una humillación puede convertirse en un espectáculo público y perseguir a una persona durante mucho tiempo.
La ficción cuenta con ocho episodios y tiene a Summer H. Howell en el papel principal. Según la información difundida durante su lanzamiento, todos los capítulos estarán disponibles en Prime Video desde el estreno, previsto para el miércoles 7 de octubre de 2026.
Una adolescente aislada y un poder imposible de controlar
La historia mantiene los elementos fundamentales que convirtieron a Carrie en una obra emblemática del terror. Carrie White es una adolescente criada bajo la influencia de una madre profundamente religiosa y represiva. Su aislamiento del mundo exterior dificulta su adaptación a la vida escolar, donde pronto se convierte en blanco de burlas y agresiones.
La joven también descubre que posee poderes telequinéticos, una capacidad sobrenatural que le permite mover objetos con la mente. A medida que aumentan las humillaciones, su angustia crece y la tensión comienza a transformarse en una amenaza que nadie parece capaz de detener.
En esta adaptación, Flanagan introduce cambios en la historia familiar y en las circunstancias que llevan a Carrie a enfrentarse con el mundo. La protagonista llega a la escuela después de haber recibido educación en su casa, por lo que desconoce muchos de los códigos sociales de sus compañeros.
Su aspecto, su comportamiento y su falta de experiencia en las relaciones adolescentes la convierten rápidamente en un objetivo. Sin embargo, la crueldad que experimenta no se limita a las burlas cara a cara.
El ciberacoso lleva el horror a las redes sociales
Uno de los cambios más importantes de la nueva Carrie serie es la incorporación de las redes sociales como herramientas para extender el hostigamiento.
La adaptación presenta una cuenta anónima de Instagram que amplifica las humillaciones y permite que determinados episodios vergonzosos circulen mucho más allá del lugar donde ocurrieron. De esta manera, el acoso deja de ser un problema limitado a un grupo de estudiantes y adquiere una dimensión pública.
El recurso conecta una historia escrita hace más de medio siglo con una problemática contemporánea. Los videos, las publicaciones anónimas y las noticias falsas pueden multiplicar el daño emocional y convertir a una persona en blanco de miles de comentarios.
La producción también incorpora referencias al temor por los ataques violentos en las escuelas estadounidenses. Estos elementos actualizan el relato y refuerzan una de sus ideas centrales: la violencia no aparece de un momento a otro, sino que puede crecer a partir de la exclusión, el abuso y la indiferencia.
En ese contexto, los poderes de Carrie funcionan como una expresión extrema de una tensión que se acumula durante años. La serie explora qué sucede cuando una adolescente sometida a una presión constante llega al límite.
Mike Flanagan vuelve al terror psicológico
El proyecto cuenta con Mike Flanagan, uno de los realizadores contemporáneos más asociados con el terror psicológico y las historias sobrenaturales.
Entre sus trabajos más reconocidos figuran La maldición de Hill House y Misa de medianoche, producciones que combinaron elementos de terror con conflictos familiares, traumas y dilemas humanos.
En Carrie, el cineasta vuelve a explorar la relación entre el sufrimiento emocional y lo sobrenatural. La tensión no depende solamente de los poderes de la protagonista, sino también de la crueldad de quienes la rodean y de la influencia que ejerce su entorno familiar.
La serie está protagonizada por Summer H. Howell, mientras que Samantha Sloyan interpreta a Margaret White, la madre de Carrie.
El elenco también incluye a Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen, Joel Oulette como Tommy Ross, Josie Totah como Tina, Arthur Conti como Billy Nolan, Amber Midthunder como la docente Rita Desjardin y Matthew Lillard como el director Henry Grayle.
Además, Stephen King participa como productor ejecutivo del proyecto.
De la novela de 1974 a la película que marcó al terror
Stephen King publicó Carrie en 1974. La novela fue su primera obra publicada y marcó el comienzo de una trayectoria que lo convertiría en uno de los escritores más influyentes del género.
Dos años después, el director Brian De Palma llevó la historia al cine con una película protagonizada por Sissy Spacek. Aquella adaptación se convirtió en un clásico y dejó una de las imágenes más recordadas del terror cinematográfico: la tragedia que se desata durante el baile escolar.
Desde entonces, el personaje tuvo distintas versiones audiovisuales. Por eso, la nueva producción enfrenta un desafío importante: recuperar una historia conocida por varias generaciones y ofrecer motivos suficientes para volver a contarla.
La propuesta de Flanagan consiste en conservar los conflictos centrales y modificar el contexto. El aislamiento, la represión familiar, la violencia entre compañeros y las consecuencias de la humillación continúan en el centro de la trama.
Por qué la historia de Carrie sigue vigente
El regreso de Carrie demuestra que algunos relatos de terror mantienen su fuerza porque hablan de problemas que trascienden una época.
La tecnología cambió la manera de relacionarse, pero no eliminó la exclusión ni la necesidad de pertenecer a un grupo. En la actualidad, una burla puede quedar registrada en un teléfono y circular entre personas que ni siquiera conocen a la víctima.
La nueva adaptación utiliza ese escenario para renovar el conflicto de Carrie White. Su historia ya no se desarrolla únicamente entre las paredes de una escuela: también avanza en las pantallas, donde los rumores y las agresiones pueden multiplicarse sin control.
Con ocho episodios, un elenco renovado y la mirada de Mike Flanagan, Carrie vuelve a poner sobre la mesa una pregunta inquietante: ¿hasta dónde puede llegar una persona cuando quienes la rodean convierten su sufrimiento en un espectáculo?
Cine y Series
“Animals” la nueva película de Ben Affleck
Un thriller que combina un secuestro, ambición política, secretos familiares y distintas miradas sobre el poder
Ben Affleck vuelve a ponerse detrás y delante de cámara con Animals, el thriller que protagoniza junto a Kerry Washington y que llega a Netflix este viernes 9 de octubre. La película sigue a un candidato a alcalde de Los Ángeles cuya vida aparentemente perfecta se derrumba cuando su hijo es secuestrado.
Además de dirigir y actuar, Affleck produjo el proyecto a través de Artists Equity, la compañía que creó junto a Matt Damon. Para el cineasta, una de las claves de la historia está en la diversidad del elenco y en las distintas perspectivas que cada integrante pudo aportar.
“Jamás habría podido escribir ni dirigir esta película sin las contribuciones de este equipo”, sostuvo Affleck en una entrevista, donde destacó que buscaba construir una historia “compleja y honesta”.
Un secuestro que cambia todo
Affleck interpreta a Mark Kimball, un dirigente con aspiraciones políticas que comparte su vida con Abigail, interpretada por Kerry Washington, y su hijo Denny. El secuestro del niño obliga a la pareja a conseguir el dinero exigido y los introduce en una carrera contrarreloj.
La situación también expone secretos que permanecían ocultos dentro del matrimonio. En medio de la crisis aparece Dayle, el personaje interpretado por Gillian Anderson, una especialista que advierte que las verdades escondidas entre Mark y Abigail deberán salir a la luz.
La película utiliza el secuestro como punto de partida para explorar cuestiones vinculadas con la identidad, la moral y los límites que las personas están dispuestas a cruzar cuando su familia se encuentra en peligro.
Las distintas miradas detrás de “Animals”
Uno de los aspectos que Affleck quiso destacar fue la composición del elenco. Kerry Washington, Steven Yeun, Adriana Paz, Luis Gerardo Méndez y Gillian Anderson forman parte de un reparto pensado para reflejar la diversidad de Los Ángeles.
“Sé que tienen una perspectiva y una visión del mundo que yo no tengo. Así que cuanto más aportan, más real y enriquecedora es la película”, explicó el actor.
Esa diversidad también aparece en las relaciones entre los personajes. Adriana Paz y Luis Gerardo Méndez interpretan a Cecilia y Ramón, una pareja migrante atravesada por distintas situaciones sociales y económicas. Sus conversaciones cambian cuando están solos y cuando comparten espacio con integrantes de familias de mayor poder y estatus.
Kerry Washington destacó precisamente esa dinámica como uno de los elementos centrales de la historia: las jerarquías, las máscaras sociales y la manera en que las personas modifican su comportamiento según quién esté presente.
Una película sobre poder, identidad y moral
Para Affleck, Animals también permite observar cómo las personas construyen distintas versiones de sí mismas dependiendo del entorno. El director consideró que las experiencias y perspectivas de los integrantes del elenco fueron fundamentales para darle autenticidad a esas situaciones.
La película representa además un nuevo desafío detrás de cámara para Affleck, cuya trayectoria como director incluye títulos como Argo, The Town y Live by Night.
Con Animals, el actor apuesta nuevamente por una historia de suspenso que utiliza una situación extrema para explorar los vínculos familiares, las diferencias sociales, la ambición política y las decisiones que una persona puede tomar cuando todo lo que construyó está en riesgo.
Cine y Series
Glaxo: la película que Lali Espósito presentó en San Sebastián
El nuevo filme de Benjamín Naishtat está basado en la novela de Hernán Ronsino y tiene a Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Lamothe entre sus protagonistas. La película ya pasó por Toronto y San Sebastián y en octubre llegará al Festival de Londres.
Lali Espósito volvió a la pantalla grande con Glaxo, la nueva película dirigida por Benjamín Naishtat, realizador de Rojo y Puan. El filme, basado en la novela homónima del escritor argentino Hernán Ronsino, comenzó su recorrido internacional en el Festival de Toronto y llegó este domingo a la competencia oficial del Festival de San Sebastián.
La película transcurre principalmente en Chivilcoy, provincia de Buenos Aires, y reconstruye distintas etapas de la vida de cuatro amigos a partir de la llegada de un expolicía y su esposa. La historia combina drama, suspenso, romance y elementos de thriller político, mientras los personajes quedan atravesados por secretos, deseos, abusos, traiciones y las consecuencias de hechos ocurridos décadas atrás.
De qué trata Glaxo
La historia comienza en 1957, cuando cuatro jóvenes de una localidad bonaerense mantienen una relación de amistad que se verá alterada por la llegada de un nuevo vecino: Ramón Folcada, un expolicía con un pasado oscuro, interpretado por Marcelo Subiotto.
Junto a él llega su esposa, conocida como “La Negra” Miranda, personaje interpretado por Lali Espósito. La presencia de la mujer provoca un fuerte impacto en el grupo de amigos y, especialmente, en Miguelito Barrios, interpretado por Joaquín Bonadeo, quien queda fascinado por ella.
A partir de ese momento se desencadena una serie de acontecimientos que atraviesan la adolescencia y la adultez de los protagonistas. La película utiliza distintos saltos temporales para mostrar cómo una traición y determinados episodios del pasado terminan condicionando sus vidas durante décadas.
El relato también incorpora acontecimientos políticos de la Argentina de mediados del siglo XX. Uno de los ejes está relacionado con la participación de Folcada en los fusilamientos de José León Suárez de 1956, un episodio histórico que también fue reconstruido por Rodolfo Walsh en Operación Masacre.
La película comienza, sin embargo, en 1984, en un cine donde se proyecta Terminator. Desde allí, la narración retrocede y avanza en el tiempo para reconstruir los vínculos entre los personajes y revelar progresivamente los secretos que permanecían ocultos.
Lali Espósito vuelve al cine
En Glaxo, Lali interpreta a un personaje alejado de sus papeles más recientes y con una estética inspirada en las grandes figuras femeninas del cine clásico. Su personaje funciona como uno de los principales puntos de tensión dentro de la historia.
El elenco se completa con Marcelo Subiotto, Esteban Lamothe, Esteban Bigliardi, Manu Fanego, Alan Sabbagh y Joaquín Bonadeo, quien realiza su debut cinematográfico.
La película vuelve a reunir a Naishtat con Lali Espósito después de Puan, aunque en esta oportunidad el director encara una producción de época de mayor escala y con una estructura narrativa atravesada por diferentes décadas.
Una película argentina con producción brasileña
Uno de los aspectos particulares de Glaxo es su origen como coproducción entre Argentina y Brasil. El proyecto estuvo encabezado por las productoras RT Features y Rei Pictures y parte del rodaje se realizó en territorio brasileño.
Aunque la historia, el director, la novela en la que está basada y gran parte del elenco son argentinos, la producción contó con un importante respaldo brasileño. La película tuvo que trasladar parte de su filmación a Brasil debido a las dificultades para concretar el proyecto en Argentina.
Naishtat explicó durante la presentación en San Sebastián las dificultades que atraviesa actualmente la producción cinematográfica argentina y destacó el papel que tuvo el financiamiento brasileño para poder llevar adelante la película.
La adaptación de la novela de Hernán Ronsino
Glaxo adapta la segunda novela de Hernán Ronsino, publicada originalmente en 2009. Para llevarla al cine, Naishtat modificó algunos elementos de la estructura original y construyó una narración más cinematográfica.
El director mantuvo los saltos temporales característicos de la obra, pero incorporó mayor presencia de los diálogos y profundizó determinados personajes y situaciones.
El título remite a la fábrica farmacéutica Glaxo, que aparece como un elemento central dentro de la historia y como una presencia vinculada con las relaciones de poder, las diferencias sociales y las tensiones que atraviesan a la comunidad.
Cuándo se estrena Glaxo
Glaxo tuvo su estreno mundial el 11 de septiembre de 2026 en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde fue presentada dentro de la sección Special Presentations.
Posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde integra la Selección Oficial y compite por la Concha de Oro.
El recorrido internacional continuará en octubre, cuando la película participe del Festival de Londres, que se desarrollará entre el 7 y el 18 de octubre.
Por el momento, no existe una fecha confirmada para el estreno comercial de Glaxo en los cines argentinos. Su participación en festivales internacionales será, por ahora, la principal vía para que el público pueda acercarse al nuevo trabajo de Benjamín Naishtat y al regreso de Lali Espósito a la pantalla grande.
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