Martín Haas, es co-director y guionista de «El futuro imposible», ganadora del concurso «Renacer» del Ministerio de Cultura y recientemente presentada en el Festival de Annecy en Francia, comparte detalles sobre su nuevo proyecto altruista. «El Futuro Imposible», una serie animada, busca visualizar las impactantes consecuencias de la contaminación en un mundo al borde del colapso ambiental.

Desde su refugio creativo, Haas expresa la creencia de que para construir un futuro diferente, primero debemos ser capaces de imaginarlo. Es en esta premisa donde la serie pretende hacer su aporte, ofreciendo destellos de un futuro improbable, pero no imposible.

La producción, que se gesta en Bariloche, se destaca por su calidad y profundidad en la exploración de temas ambientales. Haas y Antonio «Toni» Balseiro, co-directores y guionistas, colaboran con Fernando Salem en la elaboración de los guiones.

El avance de la serie presenta un futuro en el que una mujer mayor rememora su juventud en el presente. A medida que evocan sus recuerdos, se entretejen elementos de ciencia ficción con realidades palpables, subrayando el absurdo del consumo desenfrenado, la degradación del entorno y el dominio de las corporaciones.

«El Futuro Imposible» emerge como un proyecto valiente que busca concienciar sobre la urgencia de abordar la crisis ambiental. A través de la animación, pretende instigar reflexiones y propiciar un diálogo sobre el camino hacia un futuro sostenible.

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Martín Haas, uno de los directores y guionistas de «El futuro imposible», una serie animada sobre la lucha contra el colapso ambiental

«Si no podemos imaginar un futuro distinto, ese es el que haremos realidad, como en una profecía autocumplida. Y de ahí se desprende que si queremos crear un futuro distinto, primero tenemos que poder imaginarlo. Ahí es donde creemos que podemos aportar algo: aunque sea unos destellos de otro futuro improbable, pero posible», explica Haas en diálogo con Télam, al brindar detalles sobre la serie que pronto estará disponible.

-¿Cómo nació el proyecto?

Matías Haas: La idea surgió en 2011. Veníamos viendo documentales como «The Corporation», «Fahrenheit 911», «The Century of the Self», «Money as Debt», y habíamos armado un sitio web al que llamamos «estamos en el horno»(ya no existe) para difundirlos gratuitamente.

Preocupados por el estado del mundo, junto a Antonio Balseiro teníamos ganas de hacer un documental de animación sobre alguna de estas temáticas, es decir para denunciar el grave estado en que nos veíamos.

Pero en 2011 me apunté a un un curso de diseño de ecoaldeas de Gaia Education que cambió mi (y nuestra) forma de ver el mundo. Descubrimos que había muchísimas soluciones a nuestros principales problemas ecológicos, económicos, sociales y de visión del mundo, y una creciente red de movimientos en todo el mundo trabajando a diario para crear un futuro mejor. Eso nos llevó a cambiar el foco de nuestro proyecto de película de animación, dejando el tono puramente pesimista para enfocarnos en las soluciones, en ofrecer una visión de un futuro distinto (y mejor). Y entonces surgió la idea de «El futuro imposible», cuyo estuvimos trabajando varios años con el asesoramiento de Daniel Wahl, autor del libro «Diseñando culturas regenerativas»). Hasta 2018 estuvimos trabajando parcialmente en ello mientras continuábamos con otros trabajos, más vinculados a la publicidad.

– ¿Cómo fue encarar una producción colectiva sin fines de lucro?

MH: A lo largo de los años el proyecto pasó por distintas etapas, con distintos objetivos y formas. Al principio queríamos hacerlo en forma de película, y creamos un video teaser para conseguir fondos para ello. Y parecía que estábamos por lograrlo, cuando, de golpe, apareció la pandemia. En esas primeras semanas de calles vacías, parecía casi el fin del mundo, y las puntas que teníamos para desarrollar la película por vía comercial nos dijeron que volvamos a hablar en seis meses, lo cual en el momento nos parecía como que nos digan que en la próxima vida.

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Decidimos entonces que no podíamos guardarnos más toda esa información, y que íbamos a hacer la película de manera colaborativa por internet, convocando a ilustradores, animadores y cualquier persona que quisiera colaborar a ayudarnos a hacerlo realidad, creando cortometrajes animadores que luego se unirían en una película. Esa etapa duró hasta fin de 2021, hasta cuando junto a Martin Domínguez, director de la agencia Piensa, también de Bariloche como Antonio y yo, decidimos asociarnos para producir «El futuro imposible» en formato serie. Entre 600 proyectos que se presentaron en todo el país, ganamos en categoría Serie de Animación para la región Patagonia.

– ¿Cómo y cuándo se podrán ver los capítulos de la serie?

MH: Estimamos terminar la serie. Al ser financiada por el Ministerio de Cultura de la Nación, se estrenará primero en los medios oficiales de Argentina, creemos que en canal Encuentro y Cine.ar. Luego depende de los acuerdos de distribución que consigamos cómo difunde en el resto del mundo.

-¿Cómo fue su experiencia en festivales, como en Annecy?

MH: A Annecy llegamos de la mano de Ventana Sur, tras ganar con Piensa las Animation Pitching Sessions de 2021, donde contamos nuestro proyecto y pedimos asesoramiento sobre cómo terminar de financiar la serie y distribuirla internacionalmente. Fue un lugar donde nos encontramos con personas muy talentosas y generamos contactos para la futura distribución, que aún no rindieron sus frutos ya que esperan ver la serie terminada, ya que no pedimos dinero para la producción sino para la distribución.

– ¿Quiénes se sumaron a colaborar?

MH: Más de cien personas se sumaron al proyecto, la mayoría de Argentina, pero también de varios países de Latinoamérica y alguno que otro del mundo no hispano. Varias personas contaban con gran experiencia en el mundo audiovisual, pero la mayoría recién comenzaban a estudiar algo relacionado, y muchas otras no tenían experiencia pero muchas granas de aprender y ayudar como se pudiera. Por eso decidimos hacer clases gratuitas online de ilustración y animación, para que cualquiera pudiera empezar a producir imágenes para el proyecto.

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-¿Por qué apostaron al lenguaje de la animación?

MG: En primer lugar porque llevamos décadas trabajando con animación, con lo cual para nosotros la decisión no era si usar o no animación, sino qué podíamos hacer con la animación que el mundo necesitara. Qué podíamos aportar a la causa.

Más allá de eso, en general veíamos que si bien había muchos documentales con un montón de información copada, la mayoría tenía un tono y una forma que los volvían algo «de nicho», para gente copada en documentales de ese tipo. En la animación veíamos la oportunidad de llevar esas ideas y mensajes a un público más amplio, apelando al entretenimiento y entrando más «por los ojos». Nos imaginábamos una especie de «Baraka» (NdR: el documental del estadounidense de Ron Fricke) combinado con «Mind Game» (NdR: la película de animación japonesa de 2004 dirigida por Masaaki Yuasa y Kôji Morimoto).

La estética de «El futuro imposible» se basa en la combinación de fondos en foto o video con personajes ilustrados y animados. Más allá del impacto visual, lo que buscamos es que los fondos reales o foto-realistas nos ayuden a mostrar las texturas y particularidades tanto de las cosas «malas», como la explosión en una mina a cielo abierto, como de las «buenas», como un cultivo con técnicas de permacultura. Es decir que se vea la «realidad» y no quede en algo más abstracto o simbólico, que tenga ese aspecto documental. Por otra parte los personajes, tanto humanos como animales o robots, complementan ese lado documental dándole un toque más «anime» que buscamos para acercarnos a públicos más jóvenes que no suelen ser tan fans del género documental.

(Télam)

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¿Te imaginas estrellas consagradas en el mundo viviendo en un favela brasileña ?. La Inteligencia Artificial (IA) no tiene límites para el artista brasileño Will Martins. En esta oportunidad el diseñador digital Will Masrtins se inspiro en la favela y en artistas super reconocidas a nivel mundial. La realidad distópica de figuras tan importantes con el escenario que se presenta de fondo invita a la reflexión en que mundo estamos viviendo. Un mundo «roto» donde la mayoría tiene tan poco y algunos «mucho», podría ser un posible análisis de lo que buscó generar el artista.

La pregunta que todos se hacen ahora es: ¿ La Inteligencia Artificial es Arte? ¿Qué es lo que busca el artista?. Las repercusiones en el Instagram del artista generaron tanto comentarios negativos como positivos respecto a las imágenes. 

 

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Famosos viviendo en una favela

Lionel Messi en favela

Papa Francisco

Cristiano Ronaldo

Robert Pattinson

Anthony Hopkins

Zendaya Maree Stoermer Coleman

Peter Hayden Dinklage

Angelina Jolie

Donald Trump

Michael Sylvester Gardenzio Stallone

Morgan Freeman

Jason Momoa

Margaret Constance «Maisie» Williams

Kit Harington

«Si haces zoom en las imágenes, a menudo puedes ver inconsistencias, como la cantidad de dedos», dice.

Cambios en Meta

Meta, propietaria de Facebook, publicó el miércoles un modelo de inteligencia artificial capaz de identificar objetos individuales dentro de una imagen. A la par de un conjunto de datos de anotaciones de imágenes que, en su opinión, es el mayor de su clase.

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La división de investigación de la empresa afirma en una entrada de su blog que su modelo Segment Anything Model, o SAM, puede identificar objetos en imágenes y vídeos incluso en casos en los que no los ha encontrado durante su entrenamiento.

Con el SAM, los objetos pueden seleccionarse al pulsar sobre ellos o al escribir indicaciones de texto. En una demostración, al escribir la palabra «gato», la herramienta dibujó recuadros alrededor de cada uno de los gatos de una foto.

Las grandes empresas tecnológicas llevan anunciando a bombo y platillo sus avances en inteligencia artificial desde que el chatbot ChatGPT de OpenAI, respaldado por Microsoft , causó sensación en otoño, y desencadenó una oleada de inversiones y una carrera por dominar el sector.

Meta anunció varias funciones que implementan el tipo de IA generativa popularizada por ChatGPT, que crea contenido totalmente nuevo en lugar de limitarse a identificar o categorizar datos como otras IA, aunque todavía no ha lanzado ningún producto.

Algunos ejemplos son una herramienta que crea vídeos surrealistas a partir de mensajes de texto y otra que genera ilustraciones de libros infantiles a partir de prosa.

El CEO Mark Zuckerberg dijo que la incorporación de estas «ayudas creativas» de IA generativa a las aplicaciones de Meta es una prioridad este año.

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Meta ya utiliza internamente una tecnología similar al SAM para actividades como etiquetar fotos, moderar contenidos prohibidos y determinar qué publicaciones recomendar a los usuarios de Facebook e Instagram. La empresa afirma que el lanzamiento del SAM ampliará el acceso a ese tipo de tecnología.

El modelo y el conjunto de datos del SAM podrán descargarse con una licencia no comercial. Los usuarios que suban sus propias imágenes a un prototipo adjunto también deberán comprometerse a utilizarlas únicamente con fines de investigación.

PDN –

Leonardo Da Vinci, Sandro Botticelli y Rembrandt podrían haber utilizado yema de huevo en sus pinturas al óleo.

Así lo determinó un nuevo estudio de las obras de los antiguos maestros del arte.

Varios estudios a través de los años de las pinturas se dió a conocer que los lienzos tienen residuos proteínicos.

Un nuevo estudio publicado en la revista Nature Communications determinó que la inclusión de proteínas probablemente fuera intencional.

Es una genialidad de los antiguos maestros pintores europeos más hábiles de los siglos XVI, XVII o principios del XVIII, sobre la forma en que prepararon sus pinturas.

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Parece ser que el hecho de incluir mínimas cantidades de yema de huevo a sus obras éstas perduraron en el tiempo mucho más que sin esta adición.

La Última Cena de Leonardo Da Vinci. Crédito: Getty Images

La autora del estudio, Ophélie Ranquet, del Instituto de Ingeniería y Mecánica de Procesos Mecánicos del Instituto de Tecnología de Karlsruhe (Alemania), en una entrevista manifestó:

«Existen muy pocas fuentes escritas al respecto y nunca se realizó un trabajo científico que investigara el tema con tanta profundidad».

«Nuestros resultados muestran que, incluso con una cantidad muy pequeña de yema de huevo, se puede conseguir un cambio asombroso de las propiedades de la pintura al óleo, lo que demuestra cómo pudo ser beneficioso para los artistas».

Experimentación, la base de la conservación

En comparación con el medio formulado por los antiguos egipcios llamado temple -que combina yema de huevo con pigmentos en polvo y agua-, la pintura al óleo crea colores más intensos. Permite transiciones de color muy suaves y se seca mucho menos rápido, por lo que puede utilizarse varios días después de su preparación.

Sin embargo, la pintura al óleo, utiliza aceite de linaza o cártamo en lugar de agua. Presenta algunos inconvenientes, es más susceptible al oscurecimiento del color y a los daños causados por la exposición a la luz.

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En consecuencia y dado que la pintura era fabricada artesanalmente, los investigadores suponen que los antiguos maestros añadieran yema de huevo, al nuevo tipo de pintura que apareció por primera vez en el siglo VII en Asia central, antes de extenderse al norte de Europa en la Edad Media y a Italia durante el Renacimiento.

En el estudio, los investigadores recrearon el proceso de elaboración de la pintura utilizando cuatro ingredientes:

yema de huevo, agua destilada, aceite de linaza y pigmento– para mezclar dos colores históricamente populares y significativos, el blanco de plomo y el azul ultramarino.

Concluyeron que la proteína del huevo hace que la pintura tarde más en envejecer, debido a los antioxidantes que contiene la yema del alimento. Además, las reacciones químicas entre el aceite, el pigmento y las proteínas de la yema afectan directamente al comportamiento y la viscosidad de la pintura, lo que la hace más resistente a la humedad.

La genialidad de los antiguos maestros del arte

Una prueba directa del efecto de la yema de huevo en la pintura al óleo, puede verse en La Virgen del clavel de Leonardo Da Vinci.

Actualmente la obra de Da Vinci, está expuesta en la Alte Pinakothek de Munich (Alemania), la obra muestra evidentes arrugas en el rostro de María y el niño.

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La Virgen del clavel de Leonardo da Vinci. Crédito: Getty Images

«La pintura al óleo empieza a secarse de la superficie hacia abajo, por eso se arruga», explicó Ranquet.

La Virgen del Clavel es uno de los primeros cuadros de Da Vinci.

Nueva comprensión de los clásicos

Otro cuadro observado durante el estudio fue Lamentación sobre Cristo muerto, de Botticelli, también expuesto en la Alte Pinakothek. La obra está realizada en su mayor parte al temple. De todas maneras utilizó pintura al óleo para el fondo y algunos elementos secundarios.

«Sabíamos que algunas partes de las pinturas muestran pinceladas típicas de lo que se llama pintura al óleo. Sin embargo, se detectó la presencia de proteínas», dijo Ranquet. «Como es una cantidad muy pequeña y son difíciles de detectar, esto puede descartarse como contaminación. En los talleres, los artistas utilizaban muchas cosas diferentes, y quizá los huevos eran solo de la témpera».

Sin embargo, se pudo observar la adición de yema de huevo en la pintura al óleo. La presencia de proteínas en la obra puede ser un indicio del uso deliberado, según el estudio. Ranquet espera que estos hallazgos preliminares atraigan más curiosidad hacia este tema poco estudiado.

Maria Perla Colombini, catedrática de Química Analítica de la Universidad de Pisa (Italia), quien no participó en el estudio, se mostró de acuerdo.

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Y afirmó que: «Este emocionante artículo ofrece un nuevo escenario para la comprensión de las antiguas técnicas pictóricas».

«El grupo de investigación, que presenta resultados desde el nivel molecular hasta una escala macroscópica, contribuye a un nuevo conocimiento en el uso de la yema de huevo y los aglutinantes de aceite. No se limitan a identificar los materiales utilizados por los antiguos maestros, sino que explican cómo podían producir efectos maravillosos y relucientes empleando y mezclando los pocos materiales naturales disponibles. Intentan descubrir los secretos de antiguas recetas de las que poco o nada está escrito», añade.

«Estos nuevos conocimientos contribuyen no solo a una mejor conservación y preservación de las obras de arte, sino también a una mejor comprensión de la historia del arte».