Cine y Series
Madre e hija interpretan a Moria: Sofía Gala y Helena Tuñón deslumbran en la serie de Netflix
Sofía Gala y Helena Tuñón protagonizan uno de los momentos más impactantes de la serie de Netflix sobre la vida de Moria Casán.
CINE Y SERIES- Hay algo magnético en ver a una familia contarse a sí misma. Y en Moria, la serie biográfica de Netflix sobre la vida de Moria Casán, ese juego de espejos alcanza un momento especialmente poderoso: Sofía Gala y su hija Helena Tuñón aparecen dentro de la historia de la diva y terminan convirtiéndose, también, en parte de su legado.
En Moria, la serie biográfica de Netflix sobre la vida de «La One», ocurre algo tan curioso como potente desde lo cinematográfico: una madre y su hija interpretan al mismo personaje.
Sofía Gala interpreta a Moria en una etapa de su vida.
Y su hija, Helena Tuñón, interpreta a su abuela durante la adolescencia.
Tres generaciones quedan así atravesadas por una misma historia. Y el resultado tiene un componente imposible de fabricar solamente con maquillaje, vestuario o caracterización: el vínculo real entre ellas.
Helena tiene apenas 17 años y enfrentó un debut actoral absolutamente singular. No interpretó a cualquier personaje: se puso en la piel de su propia abuela durante la adolescencia, en una de las etapas más difíciles de la vida de Moria.
Sofía Gala y Helena: madre e hija para interpretar a Moria
La idea es tan simple como poderosa.
Sofía Gala, hija de Moria, se pone en la piel de su madre.
Helena Tuñón, hija de Sofía y nieta de Moria, interpreta a la diva cuando todavía era una adolescente.
Es decir: madre e hija interpretan a la misma mujer.
La serie construye así una especie de árbol genealógico frente a las cámaras. Helena representa el pasado de Moria. Sofía continúa ese recorrido. Y en el centro de todo está la propia historia de una mujer que terminó convirtiéndose en uno de los personajes más reconocibles del espectáculo argentino.
No es solamente un recurso narrativo.
Es también una apuesta de enorme valor emocional.
Sofía Gala, frente al desafío de interpretar a su propia madre
Para Sofía Gala, el desafío tiene una dificultad evidente.
Interpretar a Moria no significa solamente reproducir una personalidad reconocible. La diva tiene una manera de hablar, de moverse y de ocupar el espacio que forma parte de su identidad pública desde hace décadas.
La salida fácil habría sido hacer una imitación.
Pero una biopic necesita algo más.
Necesita construir un personaje.
Y allí Sofía Gala encuentra uno de los puntos más interesantes de su trabajo. En lugar de limitarse al gesto conocido o a la frase que el público espera, la actriz puede explorar diferentes momentos de la vida de su madre y mostrar una Moria mucho menos asociada al personaje televisivo que todos conocen.
La pantalla permite entonces mirar hacia atrás.
Antes de la diva.
Antes de “la One”.
Antes de la mujer que convirtió su nombre en una marca.
La serie busca mostrar a la persona que existía antes de que ese personaje terminara de construirse, y Sofía deslumbra.
Helena: debutar interpretando a la mujer que cambió su apellido en una marca
Para cualquier actriz, debutar frente a una cámara puede ser un desafío. Para Helena, el desafío tuvo una dimensión completamente diferente.
Tenía que interpretar a Moria.
Pero no a la Moria que conocemos hoy, la mujer de las frases explosivas, la personalidad arrolladora y la capacidad de convertir cualquier escenario en territorio propio.
Tenía que interpretar a Moria adolescente, vulnerable y atravesando una experiencia traumática.
La secuencia muestra a la joven recorriendo los pasillos de la clínica, resistiéndose a las enfermeras y buscando desesperadamente a sus padres. Luego llega el momento del tratamiento, una escena de enorme tensión que marca uno de los pasajes más delicados de la producción.
Y allí está Helena, enfrentando su primer trabajo actoral con una responsabilidad que excede cualquier debut convencional.
El electroshock: una escena que exige algo más que impacto
La secuencia del tratamiento de electroshock es, probablemente, uno de los momentos más incómodos de la producción.
Y está bien que lo sea.
La escena no funciona solamente por lo que muestra, sino por lo que significa dentro del relato: la construcción de una mujer que desde muy joven tuvo que enfrentarse a una mirada externa que intentaba definir qué era “normal” y qué no.
El riesgo estaba en convertir ese episodio en una escena efectista.
Pero el contexto familiar cambia la percepción.
No estamos viendo solamente a una actriz representando a una joven internada. Estamos viendo a la nieta de esa mujer interpretando uno de los momentos o no, más traumáticos de su historia.
Eso produce una incomodidad particular.
Y el cine, cuando funciona, también tiene que incomodar.
Imaginate ser la nieta de la One e interpretar a tu abuela en la escena más dramática de su serie. Helena Tuñon, la otra Moria Casán. pic.twitter.com/QDgX0vNvGF
— CheNetflix (@CheNetflix) August 18, 2026
Una biopic que se vuelve más interesante cuando abandona el brillo
La tentación de una producción sobre Moria es obvia: lentejuelas, frases explosivas, glamour, escándalos y una sucesión de momentos destinados al aplauso.
Pero la serie resulta mucho más interesante cuando se aleja de ese camino.
El personaje público de Moria ya lo conocemos.
Lo novedoso está en descubrir qué había antes de que apareciera “la One”.
Y ahí la participación de Helena resulta clave.
Porque la joven interpreta a una Moria que todavía no sabe que terminará convirtiéndose en Moria Casán.
Ese es, quizás, el mayor atractivo dramático de la escena.
El apellido abre la puerta, pero la cámara decide
Ser nieta de Moria y hija de Sofía Gala convierte a Helena en una figura inevitablemente observada.
El apellido genera expectativa.
Pero frente a una cámara, el parentesco no alcanza.
Helena tiene una escena difícil y consigue sostenerla sin convertirla en una exhibición de “la nieta de”. Su presencia funciona mejor cuando se olvida el árbol genealógico y se mira a la actriz.
Y eso, para un debut, no es poco.
La serie también deja en claro que el verdadero fenómeno no está solamente en reconstruir a Moria.
Está en mostrar cómo una mujer extraordinaria se transforma en memoria para las generaciones que vienen detrás.
Sofía Gala y Helena Tuñón aportan justamente eso.
Una interpreta a su madre.
La otra interpreta a su abuela.
Y las dos terminan haciendo algo mucho más interesante que repetir el mito: lo vuelven a mirar.
Porque quizá el verdadero lujo de esta biopic no sea mostrar a Moria Casán en todo su esplendor.
Sea descubrir qué había detrás de ella antes de que existiera el personaje.
Tres generaciones y una historia que vuelve al presente
El verdadero impacto aparece cuando se observa la escena desde una perspectiva familiar.
Moria Casán. Sofía Gala. Helena Tuñón.
Tres generaciones conectadas por una misma historia.
Helena representa a Moria adolescente. Sofía toma el personaje en una etapa posterior. Y la propia Moria es el centro de todo el relato.
Es, literalmente, el linaje entrando en escena.
La elección de Helena tampoco fue casual. Moria explicó que quiso mantener un vínculo auténtico con su propia historia y que su nieta formara parte de esa reconstrucción.
“Como yo no quise caretearle, quise jugar con la verdad”, contó la diva al referirse a la participación de Helena.
Y pocas frases podrían resumir mejor el espíritu de esta apuesta.
Helena no buscaba ser actriz
El debut resulta todavía más llamativo porque Helena había mantenido un perfil muy alejado de la exposición.
La joven nació en 2008 y es hija de Sofía Gala y del músico Diego Tuñón, tecladista de Babasónicos.
Según contó Moria, su nieta tiene interés por el mundo audiovisual, aunque hasta ahora su inclinación estaba más relacionada con el trabajo detrás de cámara que con convertirse en actriz.
Por eso su aparición en Moria tiene un significado especial.
No fue el resultado de una carrera construida durante años.
Fue una oportunidad excepcional para contar una historia excepcional.
Sofía Gala vuelve a demostrar por qué tiene peso propio
Más allá de la curiosidad familiar, hay que detenerse en Sofía Gala.
La actriz tiene una presencia que no necesita depender permanentemente del apellido.
Su interpretación adquiere interés justamente cuando consigue despegarse de la obligación de “ser Moria” y comienza a construir una mujer con contradicciones, heridas, ambiciones y personalidad propia.
Ese es uno de los grandes desafíos de cualquier biopic.
No convertir a una persona real en una colección de gestos conocidos.
Una buena interpretación necesita encontrar aquello que no aparece en las fotografías.
Y Sofía Gala tiene allí un terreno especialmente fértil.
Su actuación permite pensar a Moria desde otro lugar: no solamente como una estrella, sino como una mujer que tuvo que atravesar diferentes etapas antes de convertirse en el fenómeno mediático que conocemos.
Una escena que habla del pasado y del futuro
La serie también suma a Griselda Siciliani y Cecilia Roth para representar distintas etapas de la vida de Moria. Pero la presencia de Sofía y Helena introduce un elemento que ninguna otra actriz podía aportar: el vínculo familiar real.
Y allí está una de las grandes particularidades de la producción.
La historia de Moria no solamente se representa.
También se transmite de generación en generación.
Helena, con 17 años, mira hacia el pasado y representa a su abuela. Sofía mira hacia su madre y construye otra versión de ella. Y Moria observa cómo su propia vida se transforma en ficción.
Una especie de círculo perfecto.
Porque al final, más allá de la fama, las cámaras y Netflix, queda algo mucho más potente: una madre, una hija y una nieta compartiendo la misma historia desde lugares completamente diferentes.
Y mientras Helena sorprende con su debut, Sofía Gala vuelve a demostrar que el apellido puede abrir una puerta, pero es el talento el que consigue quedarse con la pantalla.
Cine y Series
“Animals” la nueva película de Ben Affleck
Un thriller que combina un secuestro, ambición política, secretos familiares y distintas miradas sobre el poder
Ben Affleck vuelve a ponerse detrás y delante de cámara con Animals, el thriller que protagoniza junto a Kerry Washington y que llega a Netflix este viernes 9 de octubre. La película sigue a un candidato a alcalde de Los Ángeles cuya vida aparentemente perfecta se derrumba cuando su hijo es secuestrado.
Además de dirigir y actuar, Affleck produjo el proyecto a través de Artists Equity, la compañía que creó junto a Matt Damon. Para el cineasta, una de las claves de la historia está en la diversidad del elenco y en las distintas perspectivas que cada integrante pudo aportar.
“Jamás habría podido escribir ni dirigir esta película sin las contribuciones de este equipo”, sostuvo Affleck en una entrevista, donde destacó que buscaba construir una historia “compleja y honesta”.
Un secuestro que cambia todo
Affleck interpreta a Mark Kimball, un dirigente con aspiraciones políticas que comparte su vida con Abigail, interpretada por Kerry Washington, y su hijo Denny. El secuestro del niño obliga a la pareja a conseguir el dinero exigido y los introduce en una carrera contrarreloj.
La situación también expone secretos que permanecían ocultos dentro del matrimonio. En medio de la crisis aparece Dayle, el personaje interpretado por Gillian Anderson, una especialista que advierte que las verdades escondidas entre Mark y Abigail deberán salir a la luz.
La película utiliza el secuestro como punto de partida para explorar cuestiones vinculadas con la identidad, la moral y los límites que las personas están dispuestas a cruzar cuando su familia se encuentra en peligro.
Las distintas miradas detrás de “Animals”
Uno de los aspectos que Affleck quiso destacar fue la composición del elenco. Kerry Washington, Steven Yeun, Adriana Paz, Luis Gerardo Méndez y Gillian Anderson forman parte de un reparto pensado para reflejar la diversidad de Los Ángeles.
“Sé que tienen una perspectiva y una visión del mundo que yo no tengo. Así que cuanto más aportan, más real y enriquecedora es la película”, explicó el actor.
Esa diversidad también aparece en las relaciones entre los personajes. Adriana Paz y Luis Gerardo Méndez interpretan a Cecilia y Ramón, una pareja migrante atravesada por distintas situaciones sociales y económicas. Sus conversaciones cambian cuando están solos y cuando comparten espacio con integrantes de familias de mayor poder y estatus.
Kerry Washington destacó precisamente esa dinámica como uno de los elementos centrales de la historia: las jerarquías, las máscaras sociales y la manera en que las personas modifican su comportamiento según quién esté presente.
Una película sobre poder, identidad y moral
Para Affleck, Animals también permite observar cómo las personas construyen distintas versiones de sí mismas dependiendo del entorno. El director consideró que las experiencias y perspectivas de los integrantes del elenco fueron fundamentales para darle autenticidad a esas situaciones.
La película representa además un nuevo desafío detrás de cámara para Affleck, cuya trayectoria como director incluye títulos como Argo, The Town y Live by Night.
Con Animals, el actor apuesta nuevamente por una historia de suspenso que utiliza una situación extrema para explorar los vínculos familiares, las diferencias sociales, la ambición política y las decisiones que una persona puede tomar cuando todo lo que construyó está en riesgo.
Cine y Series
Glaxo: la película que Lali Espósito presentó en San Sebastián
El nuevo filme de Benjamín Naishtat está basado en la novela de Hernán Ronsino y tiene a Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Lamothe entre sus protagonistas. La película ya pasó por Toronto y San Sebastián y en octubre llegará al Festival de Londres.
Lali Espósito volvió a la pantalla grande con Glaxo, la nueva película dirigida por Benjamín Naishtat, realizador de Rojo y Puan. El filme, basado en la novela homónima del escritor argentino Hernán Ronsino, comenzó su recorrido internacional en el Festival de Toronto y llegó este domingo a la competencia oficial del Festival de San Sebastián.
La película transcurre principalmente en Chivilcoy, provincia de Buenos Aires, y reconstruye distintas etapas de la vida de cuatro amigos a partir de la llegada de un expolicía y su esposa. La historia combina drama, suspenso, romance y elementos de thriller político, mientras los personajes quedan atravesados por secretos, deseos, abusos, traiciones y las consecuencias de hechos ocurridos décadas atrás.
De qué trata Glaxo
La historia comienza en 1957, cuando cuatro jóvenes de una localidad bonaerense mantienen una relación de amistad que se verá alterada por la llegada de un nuevo vecino: Ramón Folcada, un expolicía con un pasado oscuro, interpretado por Marcelo Subiotto.
Junto a él llega su esposa, conocida como “La Negra” Miranda, personaje interpretado por Lali Espósito. La presencia de la mujer provoca un fuerte impacto en el grupo de amigos y, especialmente, en Miguelito Barrios, interpretado por Joaquín Bonadeo, quien queda fascinado por ella.
A partir de ese momento se desencadena una serie de acontecimientos que atraviesan la adolescencia y la adultez de los protagonistas. La película utiliza distintos saltos temporales para mostrar cómo una traición y determinados episodios del pasado terminan condicionando sus vidas durante décadas.
El relato también incorpora acontecimientos políticos de la Argentina de mediados del siglo XX. Uno de los ejes está relacionado con la participación de Folcada en los fusilamientos de José León Suárez de 1956, un episodio histórico que también fue reconstruido por Rodolfo Walsh en Operación Masacre.
La película comienza, sin embargo, en 1984, en un cine donde se proyecta Terminator. Desde allí, la narración retrocede y avanza en el tiempo para reconstruir los vínculos entre los personajes y revelar progresivamente los secretos que permanecían ocultos.
Lali Espósito vuelve al cine
En Glaxo, Lali interpreta a un personaje alejado de sus papeles más recientes y con una estética inspirada en las grandes figuras femeninas del cine clásico. Su personaje funciona como uno de los principales puntos de tensión dentro de la historia.
El elenco se completa con Marcelo Subiotto, Esteban Lamothe, Esteban Bigliardi, Manu Fanego, Alan Sabbagh y Joaquín Bonadeo, quien realiza su debut cinematográfico.
La película vuelve a reunir a Naishtat con Lali Espósito después de Puan, aunque en esta oportunidad el director encara una producción de época de mayor escala y con una estructura narrativa atravesada por diferentes décadas.
Una película argentina con producción brasileña
Uno de los aspectos particulares de Glaxo es su origen como coproducción entre Argentina y Brasil. El proyecto estuvo encabezado por las productoras RT Features y Rei Pictures y parte del rodaje se realizó en territorio brasileño.
Aunque la historia, el director, la novela en la que está basada y gran parte del elenco son argentinos, la producción contó con un importante respaldo brasileño. La película tuvo que trasladar parte de su filmación a Brasil debido a las dificultades para concretar el proyecto en Argentina.
Naishtat explicó durante la presentación en San Sebastián las dificultades que atraviesa actualmente la producción cinematográfica argentina y destacó el papel que tuvo el financiamiento brasileño para poder llevar adelante la película.
La adaptación de la novela de Hernán Ronsino
Glaxo adapta la segunda novela de Hernán Ronsino, publicada originalmente en 2009. Para llevarla al cine, Naishtat modificó algunos elementos de la estructura original y construyó una narración más cinematográfica.
El director mantuvo los saltos temporales característicos de la obra, pero incorporó mayor presencia de los diálogos y profundizó determinados personajes y situaciones.
El título remite a la fábrica farmacéutica Glaxo, que aparece como un elemento central dentro de la historia y como una presencia vinculada con las relaciones de poder, las diferencias sociales y las tensiones que atraviesan a la comunidad.
Cuándo se estrena Glaxo
Glaxo tuvo su estreno mundial el 11 de septiembre de 2026 en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde fue presentada dentro de la sección Special Presentations.
Posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde integra la Selección Oficial y compite por la Concha de Oro.
El recorrido internacional continuará en octubre, cuando la película participe del Festival de Londres, que se desarrollará entre el 7 y el 18 de octubre.
Por el momento, no existe una fecha confirmada para el estreno comercial de Glaxo en los cines argentinos. Su participación en festivales internacionales será, por ahora, la principal vía para que el público pueda acercarse al nuevo trabajo de Benjamín Naishtat y al regreso de Lali Espósito a la pantalla grande.
Cine y Series
Robert Pattinson se pone en la piel de Chris Hansen en el tráiler final de Primetime
El actor protagoniza el thriller psicológico de A24
El actor protagoniza el thriller psicológico de A24 «Primetime», inspirado en el periodista que se hizo conocido por el programa To Catch a Predator. La película se estrenará en Estados Unidos el 25 de septiembre.
Robert Pattinson vuelve a asumir un personaje inspirado en una figura real en Primetime, el nuevo thriller psicológico de A24 que acaba de presentar su tráiler definitivo. El actor interpreta al periodista Chris Hansen, conocido por conducir To Catch a Predator, el segmento de Dateline NBC que ganó notoriedad por sus investigaciones encubiertas.
La película está dirigida por Lance Oppenheim y tendrá su estreno comercial en las salas de Estados Unidos el próximo 25 de septiembre, después de su presentación en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
Una historia detrás del fenómeno televisivo
La trama se ubica en 2006, durante el período en que Hansen alcanzó una gran exposición pública gracias a To Catch a Predator. El programa mostraba investigaciones encubiertas destinadas a identificar a adultos que buscaban mantener encuentros sexuales con menores contactados a través de internet.
Primetime reconstruye el trabajo previo a esas operaciones y muestra el funcionamiento del equipo encargado de llevarlas adelante. Al mismo tiempo, la película pone el foco en la presión que recaía sobre el periodista y en las consecuencias de convertir investigaciones de este tipo en un producto televisivo destinado a grandes audiencias.
El conflicto también aborda los dilemas vinculados con la exposición de los acusados y el límite entre el interés periodístico, el espectáculo y la búsqueda de audiencia.
Robert Pattinson vuelve a trabajar con A24
La producción representa un nuevo encuentro entre Robert Pattinson y A24, luego de sus participaciones en Good Time, El faro y El drama.
En el adelanto, el actor aparece caracterizado como Hansen y atraviesa situaciones relacionadas con el crecimiento de su popularidad y las exigencias que genera su trabajo frente a las cámaras.
El propio título de la película hace referencia al “primetime”, la franja de mayor audiencia de la televisión estadounidense, un espacio fundamental para los programas que buscan concentrar la atención del público.
El debut de Lance Oppenheim en la ficción
Para Lance Oppenheim, Primetime significa su debut como director de una película de ficción. El realizador llega al proyecto con experiencia en el terreno documental, un antecedente que se relaciona directamente con la propuesta de la película.
El elenco se completa con Merritt Wever, Skyler Gisondo, Matthew Maher, Phoebe Bridgers, Bokeem Woodbine y Sean Bridgers. Por el momento, el material promocional mantiene a Pattinson y su personaje como el principal eje de la historia.
La película tuvo su primera presentación internacional durante el Festival de Venecia, donde comenzó a recibir comentarios de la crítica especializada.
Un estreno que ya tiene fecha
A24 confirmó que Primetime llegará a los cines estadounidenses el 25 de septiembre de 2026. El estudio acompañó el lanzamiento del tráiler final con un fragmento de la película, en el que se anticipa una historia centrada tanto en las investigaciones televisivas como en las consecuencias personales y profesionales que enfrenta Hansen.
Por ahora, la fecha de estreno para otros mercados, incluida Argentina, queda pendiente de confirmación.
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