Música
Hoy se cumplen 31 años de la muerte de Freddie Mercury
En el día de su aniversario hacemos un recorrido por sus canciones más memorables
Hoy se cumplen 31 años de la muerte de Freddie Mercury. El gran icono de la música que falleció el 24 de noviembre de 1991, a los 45 años, víctima de complicaciones derivadas del sida.
Su imagen quedó cristalizada. Freddie Mercury quedó cincelado en el imaginario colectivo es el de sus últimos años de apogeo con Queen, el cantante y showman que deslumbraba al mundo, el del Live Aid, las giras globales, el monstruo que llenaba el escenario, el que hacía que estadios enteros centraran su vista en él sin necesidad de parafernalia ni fuegos artificiales.
Con una voz que la ciencia se encargó de explicar, entrega y un manejo escénico descomunal.
En sus años más esplendorosos, en aquellos en que la chispa creativa de Freddie y de todo el grupo era más brillante, ni Queen ni su cantante recibieron el favor de la crítica especializada.
Había algo en su teatralidad, una combinación de potencia y exhibición, en el éxito y el riesgo que no los terminaba de acomodar en ninguno de los casilleros disponibles.
La vida de Freddie Mercury tuvo de todo.
Éxito, drama, amor, polémicas, sufrimiento y una muerta lenta, secreta y atroz.
Queen en sus primeros años. La gran explosión de la banda llegaría con el álbum Una Noche en la Ópera (Photo by Michael Putland/Getty Images)
Su infancia y su familia:
El 5 de septiembre de 1946 Farrokh Bulsara (Freddie) nació en Zanzíbar. En ese momento fue un protectorado británico y ahora es territorio de Tanzania. La familia vivió unos años en Inglaterra, otros en India hasta que regresaron a Zanzíbar. Farrokh tocaba el piano y en la escuela sus maestros reconocieron su vocación.
La madre le pedía que se escondiera, que entrara por la puerta de atrás: las visitas no tenían que verlo. Unos años después, el planeta entero lo miraba y millones lo imitaban. Y la madre empezó a contarles a todos los vecinos que ese era su hijo. Él no había cambiado demasiado. La personalidad exuberante, las uñas pintadas, los atuendos estrafalarios, la vocación por hacerse notar. Los que habían cambiado eran los otros.
En 1964 una revolución en la inestable Zanzíbar hizo que los Bulsara emigraran definitivamente. Se radicaron en Londres. Allí Farrokh se convirtió en Freddie. Estudió artes y diseño gráfico y buscó bandas y lugares en los que desarrollar su vocación musical.
Hacía covers de canciones de Cliff Richards e integró Ibex, una banda que quería emular a Cream. Su compañero de habitación era Tim Staffel. Era el cantante y bajista de otra banda, Smile.
Con un nuevo cantante, y en busca de un bajista, la banda era otra y por lo tanto necesitaba también un nuevo nombre. Freddie propuso: Queen.
Al ver el gesto receloso de los otros, se apresuró a justificar su elección:
“Es un nombre que tiene que ver con la realeza, es universal, contundente, musical, inmediato y, principalmente suena espléndido”, dijo.
Roger Taylor contó que al principio creyó que era una broma, que la connotación gay era demasiado evidente. Pero Freddie expuso sus argumentos seductoramente y los convenció.
Fue la primera de muchas batallas que ganaría.
Freddie junto a Brian May (Photo by Koh Hasebe/Shinko Music/Getty Images)
Freddie se convierte cambia su apellido:
Freddie cambió su apellido original por Mercury. Le pareció que era más acorde a una estrella. Algo que siempre tuvo la convicción que llegaría a ser. Una compañera de estudios, Audrey Maiden, contó que a los veinte años en cada formulario que llenaba, cuando le preguntaban la profesión, Freddie escribía músico. “No importa si no es verdad todavía, muy pronto lo será”, decía él.
El 27 de junio de 1970 Queen tocó por primera vez en público. La primera canción que se escuchó, según algunos de los testigos, fue Stone Cold Crazy. En ese tiempo el repertorio fue integrado por canciones de Smile, algunas propias y varios covers. Esa noche demostró que tenía un carisma especial. Más allá de algunos pifies técnicos y varias inconsistencias, su presencia escénica era llamativa.
No nació para pasar inadvertido. “Fue la primera vez que cantó con nosotros. Pero parecía que que nació sobre un escenario. Cantaba bien, claro. Pero lo sorprendente era todo lo otro. Era mucho más que un cantante. Era un performer” rememoró Roger Taylor.
Tardaron dos años en grabar su primer disco cuyo título era sólo el nombre de la banda. La tapa, toda una declaración de principios. Un seguidor iluminando a Freddie en escena, algo de humo, el gesto teatral, los brazos levantados y el micrófono de pie en una mano. Una imagen exuberante para que nadie se sorprendiera con lo que iba a encontrar. O, tal vez, una profecía de lo que sería su carrera.
El quiebre, el momento de la explosión definitiva, en el que todo tomaría otra dimensión, llegó cinco años después del debut con el lanzamiento de Una Noche en la Ópera.
El álbum fue un suceso extraordinario. Sin lugar a dudas, lo que consiguió instalar definitivamente a la banda fue Rapsodia Bohemia, un tema que representó al grupo de una manera cabal.
Ambición, ideas, exuberancia, personalidad. No aceptaron sacar el tema como single editado y acortado. Ese debía ser el sencillo de promoción y debía durar más de seis minutos.
Asimismo, los ejecutivos de la discográfica consideraron un suicidio editar el tema.
Por eso motivo se preguntaron: “¿Qué radio va a pasar una canción de 6 minutos?”
Y la respuesta fue: todas y durante más de cuarenta años:
«… Mamma ohhh ohhh, Galileo, Scaramouche…», ópera, solo de guitarra imbatible, balada, historia de un asesinato, ausencia de estribillo, sobregrabaciones: una canción inmortal.
“Desde el principio fue como su pequeño bebé. Freddy siempre supo que quiso, hacia donde iba con la canción. Nosotros sólo ayudamos a llevarla a buen destino”, contó Brian May. El riff de guitarra de May también fue ideado por Freddie. En un piano le mostró lo que quería para esa sección de la canción.
En el mismo disco hay otra gran canción firmada por Freddie que tiene una historia particular:
«Love of my Life»
Es una balada que algunos dicen la escribió pensando en Mary Austin, su novia eterna. Otros que está dedicada a David Minns, manager del cantante Eddie Howell. Minns fue uno de los tantos amores de Freddie.
El tema, tiene una preciosa parte de arpa por parte de Brian May. Al principio pasó tan desapercibido que Queen durante las dos giras siguientes no la tocó en sus shows en vivo.
Posteriormente luego de un nuevo arreglo de May, en el que Freddie con el piano y él con la guitarra quedaron solos en el escenario se convirtió en una de las favoritas del público.
Taylor contó asombrado como en Argentina esa parte fue la más emotivas de sus recitales.
La canción -y su versión en vivo- ya eran conocidas porque estaba incluido en Live Killers.
Mary Austin fue su novia durante seis años.
Pero la amistad entre ellos duró hasta el final. La relación está bien mostrada en Bohemian Rhapsody.
A mediados de los setenta, él le confesó: su homosexualidad. El cariño, el vínculo y la amistad sobrevivió a la revelación. Freddie decía en cada oportunidad que se presentaba que Mary era su única amiga verdadera. A ella le contaba sus secretos más íntimos y era de la única persona que escuchaba consejos. Mary cuidó a Freddie a lo largo de su convalecencia final. Freddie le dejó su fortuna y confió en ella la decisión de todos sus asuntos finales (el destino de sus restos) y póstumos.
Otro de los amores de Freddie fue Paul Prenter trabajaba en una radio de Belfast. Pasaba discos de soul y oldies por las noches. En 1975 conoció a Freddie Mercury. Las circunstancias del primer encuentro son difusas. Hay quienes aseguran que se conocieron en un bar, en una de las habituales incursiones nocturnas de Freddie; mientras que otros sostienen que primero se convirtió en asistente del manager de la banda y así se produjo el primer acercamiento. Con el tiempo Prenter, fue su amante, su asistente personal y luego se convirtió en manager.
Ambos tenían un cierta similitud física.
Brian May, el guitarrista de Queen, pone sobre Prenter la carga más pesada de las malas decisiones del grupo a principios de los ochenta. No es extraño, entonces, que la película centre todos los males de la banda en su persona dado el rol fundamental de May en la misma.
Prenter, además de por su relación íntima con Mercury, consiguió su lugar como manager al delatar frente a los otros tres miembros del grupo que el anterior encargado de los negocios de Queen, John Reid, negociaba conseguir un disco solista para Mercury. Paradójicamente, seis años después, fue Prenter el que firmó un muy beneficioso acuerdo de varios millones de dólares para la aventura solitaria de Mercury. El disco se llamó Mr. Bad Guy y no tuvo demasiada repercusión.
En mayo de 1987 Freddie Mercury ocupó la portada de los diarios sensacionalistas ingleses por varios días, fue Prenter que vendió a su viejo amigo por 32 mil libras de la época.
Primero llevó a la tapa la noticia de que dos de los amantes de Mercury habían muerto de SIDA.
Al día siguiente la portada se cubrió con un textual de Prenter: “Es más fácil que Freddie camine sobre las aguas que verlo salir con mujeres”.
Ese día también contó que Freddie tuvo su primera relación homosexual a los 14 años en la India mientras cursaba sus primeros años en el colegio secundario y que en las giras continuaba de fiesta todos los días hasta las 7 de la mañana y siempre conseguía algún hombre con quien dormir. “Odiaba dormir solo”, dijo Prenter. El tercer día fue el golpe de gracia: Título con letra catástrofe, “All the Queen’s men” y una doble página con decenas de fotos de Mercury abrazado con distintos hombres.
En 1985 Freddie comenzó una relación con Jim Hutton, su última pareja. Con él y con el diagnóstico de la enfermedad, Freddie se refugió en el trabajo y en su grupo. Los últimos años grabaron frenéticamente. Todos sabían que quedaba poco tiempo.
La Rolling Stone llegó a decir que Queen fue la primera banda verdaderamente fascista.
¿Cuál era el género de Queen?
Incursionaron en el Heavy Metal, en el vaudeville, el pop, lo operística, la balada, el glam y una decena de estilos más. A veces intentaban hacerlo todo a la vez. Bordeaban la frontera de lo bizarro pero superaron el desafío a fuerza de talento, desparpajo y una demencial confianza en sí mismos. El encanto de lo excesivo representado en la magnética figura de su cantante. Pero no sólo se trató de la inmensidad escénica de Mercury.
La versión de Radio Ga Ga de Queen
El público, en cada uno de sus conciertos se convertía en el coro más grande del mundo. Con juego de luces, un sonido de una potencia infernal, escenografía, cambios de vestuario, diseño de escenario, lenguas de fuego. Era un espectáculo que conducía un showman único, un encantador de multitudes.
Uno de las cumbres de sus presentaciones en vivo fue la célebre presentación de 1985 en el Live Aid.
Poco más de un cuarto de hora que subyugó y terminó de cimentar el mito. 16 horas. Dos estadios. Más de 50 súper estrellas del rock. 1.500 millones de espectadores. Cientos de millones de dólares de recaudación. Más de 150 países conectados. 16 horas de televisación ininterrumpida. Un músico alcanza la canonización. Sobresale en esa aglomeración de talentos. Es Freddie Mercury.
Bob Geldof, el organizador del evento benéfico televisado globalmente, dijo: “Fue el escenario perfecto para Freddie, la medida exacta para él: el mundo entero”
Hay artistas que logran que una imagen se convierte en icónica. Para él decenas de looks. Ninguno para pasar inadvertido: Originales, estentóreos, inolvidables, recordándonos siempre que él era una estrella y que todo se trataba de un show, un gran show.
Al año siguiente, Queen realizó su última. Después primó el hermetismo y el trabajo en estudio.
A fines de los ochenta el deterioro físico de Mercury era evidente. Perdía peso y energías y sus apariciones públicas eran cada vez más escasas. Los rumores sobre la salud de Freddie se amontonaban en los diarios. En agosto de 1991, mientras los periodistas buscaban que alguna enfermera les diera información sobre la salud de Mercury. Pero se les pasó la noticia que Paul Prenter falleció como consecuencia del SIDA. Solo, abandonado, sin dinero y sin siquiera conseguir la atención final de la prensa que buscó con denuedo.
Tres meses después, el 23 de noviembre de 1991, el agente de prensa de Freddie Mercury dio a conocer un escueto comunicado que confirmaron los rumores y los peores temores de los fans: “En virtud de las enorme atención que la prensa brindó al asunto en las últimas dos semanas, deseo confirmar que dió positivo de HIV y que por lo tanto padezco de SIDA. Creía adecuado mantener en secreto esta situación hasta la fecha para conseguir la tranquilidad de quienes me rodean. Pero llegó el momento para que mis amigos y fans de todo el mundo conozcan la verdad y junto a los doctores me ayuden en la batalla contra esta terrible enfermedad”.
No hubo demasiado tiempo para conmociones. Era otra época y las noticias corrían más lento. Al día siguiente, el 24 de noviembre de 1991, Freddie Mercury moría en su mansión.
Freddie Mercury cumpliría 76 años: el homenaje a su figura que más se está recordando estos días
Música
Luck Ra y Karina se acusan de “LADRÓN”
“LADRÓN”: una colaboración inesperada que mezcla cumbia, picardía y figuras sorpresa
Musica- Con apenas una hora de publicado, el nuevo tema de Luck Ra y Karina, titulado “LADRÓN”, ya empezó a sacudir las redes y a convertirse en uno de los estrenos más comentados del día. Lo que parecía un simple lanzamiento terminó siendo una verdadera producción sorpresa: figuras inesperadas, guiños actorales, estética cinematográfica y una pareja artística que vuelve a poner en escena el cruce entre la cumbia y el pop urbano.
Figuras mediáticas en el video
El videoclip de “LADRÓN”, que debutó hoy en el canal oficial de YouTube de Luck Ra, incluye la participación de Zaira Nara y Bauleti, quienes aportan presencia narrativa clave. También se puede ver a Tuli Acosta en un rol secundario, completando alguna de las apariciones que ya despertaron comentarios en redes sociales.
Un juego visual y simbólico
En el clip, la historia gira alrededor de la traición, la seducción y la picardía. La frase “ladrón que le roba a ladrón tiene cien años de perdón” funciona como eje central, y refleja cómo el título LADRÓN no es solo una referencia a la letra, sino un concepto que atraviesa todo el video.
La fusión de estilos musicales
Musicalmente, “LADRÓN” combina el estilo de Luck Ra —melodías pegadizas y ritmo urbano— con la potencia vocal de Karina, reafirmando su presencia en la cumbia argentina. Este junte inesperado entre ambos artistas genera una mezcla que ya conquista a los fans y promete llegar a plataformas de streaming y TikTok.
Reacción en redes sociales
El lanzamiento se impulsó en Instagram y X con adelantos, fotos del rodaje y mensajes de celebración. Usuarios destacaron la presencia de Zaira Nara y Bauleti, así como la energía del clip y la química entre los protagonistas. En minutos, “LADRÓN” comenzó a ser uno de los temas más mencionados en redes.
Un hit en potencia
Todo indica que “LADRÓN” apenas está comenzando su recorrido, pero ya dejó claro que será uno de los lanzamientos más comentados de la semana. La combinación de cumbia, narrativa audiovisual llamativa y figuras mediáticas da como resultado un tema que se perfila como un éxito de fin de año.
Música
Maluma se arrodilló ante J Balvin en un show histórico en Medellín
El gesto de Maluma hacia J Balvin emocionó al estadio y se convirtió en el momento más simbólico del show “Hecho en Medellín, Ciudad Primavera”.
La música urbana vivió uno de sus momentos más potentes del año cuando Maluma se arrodilló ante J Balvin en pleno escenario del estadio Atanasio Girardot. El gesto, cargado de emoción y simbolismo, quedó como el instante más comentado del espectáculo “Hecho en Medellín, Ciudad Primavera”, un show de siete horas en el que J Balvin reafirmó su peso artístico y su influencia en la cultura musical colombiana.
En una ciudad que respira reggaetón, el encuentro de ambas figuras condensó años de historia compartida, admiración mutua y el reconocimiento explícito de una generación que creció escuchando y viendo triunfar a J Balvin, uno de los embajadores globales del género.
Un show monumental con la firma de J Balvin
El concierto fue una verdadera maratón creativa. Con un escenario circular de 360°, pasarelas que cruzaban todo el campo y un despliegue visual pocas veces visto en Medellín, J Balvin ofreció su presentación más ambiciosa hasta el momento. Durante siete horas repasó sus mayores hits, incluyendo “Blanco”, “Qué Más Pues”, “Con Altura”, “Que Pretendes” y “Sigo Extrañándote”, entre otros clásicos que hicieron vibrar a un estadio repleto.
La convocatoria fue masiva y la expectativa enorme. El propio cantante había advertido días antes a sus seguidores: “Lleguen temprano”, anticipando una noche épica que finalmente superó cualquier pronóstico.
Un festival dentro de un solo show
Además del set principal, el espectáculo se transformó en una suerte de festival urbano. J Balvin reunió a 26 invitados a lo largo de la noche: Reykon, Eladio Carrión, Ryan Castro, Daddy Yankee y muchos más se sumaron a la fiesta musical. Medellín, una vez más, sonó como capital mundial del reggaetón.
Sin embargo, entre tantos nombres y colaboraciones, hubo un momento que eclipsó todo: la aparición de Maluma, quien no solo cantó junto a su colega sino que protagonizó un gesto que recorrió el mundo.
El arrodillamiento de Maluma: respeto, admiración y gratitud
Cuando Maluma subió al escenario, el público estalló. Los artistas se acercaron al centro de la tarima circular, se miraron, compartieron unas palabras y entonces ocurrió: Maluma se arrodilló ante J Balvin, un acto que expresó la profunda admiración que siente por él desde que era adolescente.
“Cuando tenía 15 años me colaba a las fiestas donde J Balvin cantaba para verlo y vibrar con su música. Siempre supe que iba a cambiar las reglas del juego”, escribió luego Maluma en Instagram, acompañando videos y fotos del momento que ya son virales.
La dedicatoria siguió con una declaración cargada de afecto:
“Hoy lo conozco como Jose el camellador, el competitivo, el man que ama a su familia. Te celebramos por poner a Medallo en el mapa”.
El público respondió con una ovación que estremeció el estadio.
Maluma se arrodilla ante J Balvin y Balvin le dedica unas palabras sobre las situaciones que pasaron en el pasado y como ahora son hermanos pic.twitter.com/6HAdILGe8g
— Juanjo Guerrero (@Juanjo_guerrero) November 30, 2025
El costado más íntimo de J Balvin
Otro de los instantes más emotivos llegó antes de la canción “Río”, dedicada a su hijo. En las pantallas se proyectó un video de Valentina Ferrer y el pequeño, generando un clima de ternura en medio de la euforia general.
El show, larguísimo y meticulosamente diseñado, dejó claro que J Balvin sigue siendo un ícono capaz de reinventarse y convocar a las figuras más grandes del género, incluso provocando momentos tan simbólicos como el arrodillamiento de Maluma.
Música
Oasis en Buenos Aires: Liam ya llegó y la banda grabará con hinchas de San Lorenzo para su documental
El operativo, realizado por la PDI y la División Trata de Personas, forma parte de una investigación internacional denominada “Escudo Infantil”. Secuestraron dispositivos electrónicos y otros elementos de interés.
Musica- La legendaria banda británica Oasis vuelve a Buenos Aires con dos shows agotados en el estadio Monumental, pero antes de reencontrarse con el público argentino, Liam y Noel Gallagher sorprendieron con una propuesta inesperada: grabar una escena para su nuevo documental junto a hinchas de San Lorenzo.
El rodaje se realizará este sábado a las 16 en el Nuevo Gasómetro, donde los fanáticos del Ciclón entonarán una versión futbolera del clásico tema “Wonderwall”. La idea es registrar la fuerza de la hinchada argentina, reconocida por los hermanos Gallagher como una de las más apasionadas del mundo.
Oasis y su vínculo con el fútbol
Los hermanos Gallagher, fundadores de Oasis y fanáticos declarados del Manchester City, siempre unieron su música con la cultura del fútbol. Esta vez, decidieron capturar ese espíritu en imágenes: la escena filmada en Buenos Aires formará parte del largometraje sobre la gira mundial Oasis Live’25, producido por Steven Knight, creador de la serie Peaky Blinders.
Aunque ni Liam ni Noel estarán presentes en el Gasómetro debido a los preparativos para el show de la noche, el evento promete ser una oportunidad única para los hinchas de San Lorenzo, que se convertirán en parte de la historia de Oasis y del rock mundial.
Un regreso cargado de nostalgia y expectativa
El regreso de Oasis a los escenarios tras 15 años de separación generó una ola de euforia global, y Buenos Aires se transformó en una de las paradas más esperadas de la gira. Liam Gallagher ya arribó al país y se mostró afectuoso con los fans que lo esperaron en el aeropuerto de San Fernando, mientras que su hermano Noel mantiene el misterio sin apariciones públicas previas.
Noel Gallagher at Sydney Airport. Next stop: Buenos Aires 🇦🇷#oasislive25 pic.twitter.com/9AtI1sXKss
— Oasis Mania (@OasisMania) November 13, 2025
La expectativa crece no solo por escuchar en vivo clásicos como “Don’t Look Back in Anger” y “Champagne Supernova”, sino también por la posibilidad de un reencuentro histórico entre los Gallagher.
Un capítulo argentino para el documental de Oasis
El rodaje con los hinchas de San Lorenzo no solo representa una escena más del film: también simboliza el lazo que Oasis mantiene con su público argentino desde aquellos recitales memorables de los años 2000. Con este gesto, los Gallagher vuelven a dejar claro que la energía y la pasión del público local son parte esencial de su historia.
El documental, que se estrenará en 2026, promete mostrar esa conexión entre música, identidad y fútbol, con Buenos Aires como una de sus paradas más vibrantes.
Con entradas agotadas, el tour Live ’25 traerá a los Gallagher nuevamente al estadio River Plate, donde Oasis dio su último show en mayo de 2009, pocos meses antes de su separación. Esta vez, el reencuentro tiene un valor simbólico: cerrar el círculo donde todo se detuvo.
A horas del primer acorde, Buenos Aires vibra otra vez en clave britpop. En los bares suenan himnos como “Wonderwall” y “Don’t Look Back in Anger”, mientras los alrededores del Monumental empiezan a poblarse de carpas y banderas. El regreso de Oasis no solo es un acontecimiento musical, sino también emocional: una celebración de todo lo que la banda significó para varias generaciones.