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Música

Hoy se cumplen 31 años de la muerte de Freddie Mercury

En el día de su aniversario hacemos un recorrido por sus canciones más memorables

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Hoy se cumplen 31 años de la muerte de Freddie Mercury. El gran icono de la música que falleció el 24 de noviembre de 1991, a los 45 años, víctima de complicaciones derivadas del sida.

Tanto como parte de la banda Queen como por su trayectoria como solista.
Su carisma fue único, y treinta años después de su muerte sigue siendo celebrado como una de las estrellas del rock y el pop más excesivas, vibrantes y originales que conquistaron al gran público en el último siglo.

Su imagen quedó cristalizada. Freddie Mercury quedó cincelado en el imaginario colectivo es el de sus últimos años de apogeo con Queen, el cantante y showman que deslumbraba al mundo, el del Live Aid, las giras globales, el monstruo que llenaba el escenario, el que hacía que estadios enteros centraran su vista en él sin necesidad de parafernalia ni fuegos artificiales.

Con una voz que la ciencia se encargó de explicar, entrega y un manejo escénico descomunal.

En sus años más esplendorosos, en aquellos en que la chispa creativa de Freddie y de todo el grupo era más brillante, ni Queen ni su cantante recibieron el favor de la crítica especializada.

Había algo en su teatralidad, una combinación de potencia y exhibición, en el éxito y el riesgo que no los terminaba de acomodar en ninguno de los casilleros disponibles.

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La vida de Freddie Mercury tuvo de todo.

Éxito, drama, amor, polémicas, sufrimiento y una muerta lenta, secreta y atroz.

Queen en sus primeros años. La gran explosión de la banda llegaría con el álbum Una Noche en la Ópera (Photo by Michael Putland/Getty Images)

Queen en sus primeros años. La gran explosión de la banda llegaría con el álbum Una Noche en la Ópera (Photo by Michael Putland/Getty Images)

Su infancia y  su familia: 

El 5 de septiembre de 1946 Farrokh Bulsara (Freddie) nació en Zanzíbar.  En ese momento fue un protectorado británico y ahora es territorio de Tanzania. La familia vivió unos años en Inglaterra, otros en India hasta que regresaron a Zanzíbar. Farrokh tocaba el piano y en la escuela sus maestros reconocieron su vocación.

La madre le pedía que se escondiera, que entrara por la puerta de atrás: las visitas no tenían que verlo. Unos años después, el planeta entero lo miraba y millones lo imitaban. Y la madre empezó a contarles a todos los vecinos que ese era su hijo. Él no había cambiado demasiado. La personalidad exuberante, las uñas pintadas, los atuendos estrafalarios, la vocación por hacerse notar. Los que habían cambiado eran los otros.

En 1964 una revolución en la inestable Zanzíbar hizo que los Bulsara emigraran definitivamente. Se radicaron en Londres. Allí Farrokh se convirtió en Freddie. Estudió artes y diseño gráfico y buscó bandas y lugares en los que desarrollar su vocación musical.

Hacía covers de canciones de Cliff Richards e integró Ibex, una banda que quería emular a Cream. Su compañero de habitación era Tim Staffel. Era el cantante y bajista de otra banda, Smile.

No se perdía ningún shows y se sabía las canciones. Le gustaba esa mezcla de potencia y ductilidad del guitarrista y la precisión del baterista. Después de algunos acercamientos fallidos con productores discográficos para grabar el primer álbum de la banda, Staffel se cansó y renunció. Los demás, a pesar de que todavía no habían tenido demasiada suerte todavía, creían que tenían tiempo. El guitarrista, Brian May, y el baterista Roger Taylor seguían adelante. Conseguir quien cantara no les resultó difícil. El reemplazante lo tenían frente a ellos. Freddie Bulsara, el compañero de cuarto de Staffell, el que veían en cada uno de sus shows y ya les había pedido una oportunidad. Freddie se moría por cantar en Smile pero Brian May se negaba. “El cantante es Tim”, repetía (años después diría: “Tim era nuestro Sting. Pero un Sting sin ego alguno”). Aunque, ante la deserción de Staffell y la evidencia de lo que Freddie podía hacer frente a un micrófono, cambió de parecer.

Con un nuevo cantante, y en busca de un bajista, la banda era otra y por lo tanto necesitaba también un nuevo nombre. Freddie propuso: Queen.

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Al ver el gesto receloso de los otros, se apresuró a justificar su elección:

“Es un nombre que tiene que ver con la realeza, es universal, contundente, musical, inmediato y, principalmente suena espléndido”, dijo.

Roger Taylor contó que al principio creyó que era una broma, que la connotación gay era demasiado evidente. Pero Freddie expuso sus argumentos seductoramente y los convenció.

Fue la primera de muchas batallas que ganaría.

Freddie junto a Brian May, su gran amigo y compañero de más de dos décadas en Queen. Ambos constituyeron una de las grandes duplas del rock (Photo by Koh Hasebe/Shinko Music/Getty Images)

Freddie junto a Brian May (Photo by Koh Hasebe/Shinko Music/Getty Images)

Freddie se convierte cambia su apellido:

Freddie cambió su apellido original por Mercury. Le pareció que era más acorde a una estrella. Algo que siempre tuvo la convicción que llegaría a ser. Una compañera de estudios, Audrey Maiden, contó que a los veinte años en cada formulario que llenaba, cuando le preguntaban la profesión, Freddie escribía músico. “No importa si no es verdad todavía, muy pronto lo será”, decía él.

El 27 de junio de 1970 Queen tocó por primera vez en público. La primera canción que se escuchó, según algunos de los testigos, fue Stone Cold Crazy. En ese tiempo el repertorio fue integrado por canciones de Smile, algunas propias y varios covers. Esa noche demostró que tenía un carisma especial. Más allá de algunos pifies técnicos y varias inconsistencias, su presencia escénica era llamativa.

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No nació para pasar inadvertido. “Fue la primera vez que cantó con nosotros. Pero parecía que que nació sobre un escenario. Cantaba bien, claro. Pero lo sorprendente era todo lo otro. Era mucho más que un cantante. Era un performer” rememoró Roger Taylor.

Tardaron dos años en grabar su primer disco cuyo título era sólo el nombre de la banda. La tapa, toda una declaración de principios. Un seguidor iluminando a Freddie en escena, algo de humo, el gesto teatral, los brazos levantados y el micrófono de pie en una mano. Una imagen exuberante para que nadie se sorprendiera con lo que iba a encontrar. O, tal vez, una profecía de lo que sería su carrera.

El quiebre, el momento de la explosión definitiva, en el que todo tomaría otra dimensión, llegó cinco años después del debut con el lanzamiento de Una Noche en la Ópera.

El álbum fue un suceso extraordinario. Sin lugar a dudas, lo que consiguió instalar definitivamente a la banda fue Rapsodia Bohemia, un tema que representó al grupo de una manera cabal.

Ambición, ideas, exuberancia, personalidad. No aceptaron sacar el tema como single editado y acortado. Ese debía ser el sencillo de promoción y debía durar más de seis minutos.

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Asimismo, los ejecutivos de la discográfica consideraron un suicidio editar el tema.

Por eso motivo se preguntaron: “¿Qué radio va a pasar una canción de 6 minutos?”

Y la respuesta fue: todas y durante más de cuarenta años:

«… Mamma ohhh ohhh, Galileo, Scaramouche…», ópera, solo de guitarra imbatible, balada, historia de un asesinato, ausencia de estribillo, sobregrabaciones: una canción inmortal.

“Desde el principio fue como su pequeño bebé. Freddy siempre supo que quiso, hacia donde iba con la canción. Nosotros sólo ayudamos a llevarla a buen destino”, contó Brian May. El riff de guitarra de May también fue ideado por Freddie. En un piano le mostró lo que quería para esa sección de la canción.

En el mismo disco hay otra gran canción firmada por Freddie que tiene una historia particular:

«Love of my Life»

Es una balada que algunos dicen la escribió pensando en Mary Austin, su novia eterna. Otros que está dedicada a David Minns,  manager del cantante Eddie Howell. Minns fue uno de los tantos amores de Freddie.

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El tema, tiene una preciosa parte de arpa por parte de Brian May. Al principio pasó tan desapercibido que Queen durante las dos giras siguientes no la tocó en sus shows en vivo.

Posteriormente luego de un nuevo arreglo de May, en el que Freddie con el piano y él con la guitarra quedaron solos en el escenario se convirtió en una de las favoritas del público.

Taylor contó asombrado como en Argentina esa parte fue la más emotivas de sus recitales.

La canción -y su versión en vivo- ya eran conocidas porque estaba incluido en Live Killers.

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Freddie Mercury y Mary Austin durante el cumpleaños número 38 del cantante
Freddie Mercury y Mary Austin durante el cumpleaños número 38 del cantante

Mary Austin fue su novia durante seis años.

Pero la amistad entre ellos duró hasta el final. La relación está bien mostrada en Bohemian Rhapsody.

A mediados de los setenta, él le confesó: su homosexualidad. El cariño, el vínculo y la amistad sobrevivió a la revelación. Freddie decía en cada oportunidad que se presentaba que Mary era su única amiga verdadera. A ella le contaba sus secretos más íntimos y era de la única persona que escuchaba consejos. Mary cuidó a Freddie a lo largo de su convalecencia final. Freddie le dejó su fortuna y confió en ella la decisión de todos sus asuntos finales (el destino de sus restos) y póstumos.

Otro de los amores de Freddie fue Paul Prenter trabajaba en una radio de Belfast. Pasaba discos de soul y oldies por las noches. En 1975 conoció a Freddie Mercury. Las circunstancias del primer encuentro son difusas. Hay quienes aseguran que se conocieron en un bar, en una de las habituales incursiones nocturnas de Freddie; mientras que otros sostienen que primero se convirtió en asistente del manager de la banda y así  se produjo el primer acercamiento. Con el tiempo Prenter, fue su amante, su asistente personal y luego se convirtió en manager.

 

Paul Prenter, una antigua pareja de Freddie y ex manager de la banda, vendió fotos y declaraciones exclusivas a un diario sensacionalista inglés revelando intimidades sexuales del cantante
Paul Prenter, una antigua pareja de Freddie y ex manager de la banda, vendió fotos y declaraciones exclusivas a un diario sensacionalista inglés revelando intimidades sexuales del cantante.

Ambos tenían un cierta similitud física.

Brian May, el guitarrista de Queen, pone sobre Prenter la carga más pesada de las malas decisiones del grupo a principios de los ochenta. No es extraño, entonces, que la película centre todos los males de la banda en su persona dado el rol fundamental de May en la misma.

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Prenter, además de por su relación íntima con Mercury, consiguió su lugar como manager al delatar frente a los otros tres miembros del grupo que el anterior encargado de los negocios de Queen, John Reid, negociaba conseguir un disco solista para Mercury. Paradójicamente, seis años después, fue Prenter el que firmó un muy beneficioso acuerdo de varios millones de dólares para la aventura solitaria de Mercury. El disco se llamó Mr. Bad Guy y no tuvo demasiada repercusión.

En mayo de 1987 Freddie Mercury ocupó la portada de los diarios sensacionalistas ingleses por varios días, fue Prenter que vendió a su viejo amigo por 32 mil libras de la época.

Primero llevó a la tapa la noticia de que dos de los amantes de Mercury habían muerto de SIDA. 

Al día siguiente la portada se cubrió con un textual de Prenter: “Es más fácil que Freddie camine sobre las aguas que verlo salir con mujeres”.

Ese día también contó que Freddie tuvo su primera relación homosexual a los 14 años en la India mientras cursaba sus primeros años en el colegio secundario y que en las giras continuaba de fiesta todos los días hasta las 7 de la mañana y  siempre conseguía algún hombre con quien dormir. “Odiaba dormir solo”, dijo Prenter. El tercer día fue el golpe de gracia: Título con letra catástrofe, “All the Queen’s men” y una doble página con decenas de fotos de Mercury abrazado con distintos hombres.

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Freddie Mercury y Paul Prenter.
Freddie Mercury y Paul Prenter.

En 1985 Freddie comenzó una relación con Jim Hutton, su última pareja. Con él y con el diagnóstico de la enfermedad, Freddie se refugió en el trabajo y en su grupo. Los últimos años grabaron frenéticamente. Todos sabían que quedaba poco tiempo.

La Rolling Stone llegó a decir que Queen fue la primera banda verdaderamente fascista. 

¿Cuál era el género de Queen?

Incursionaron en el Heavy Metal, en el vaudeville, el pop, lo operística, la balada, el glam y una decena de estilos más. A veces intentaban hacerlo todo a la vez. Bordeaban la frontera de lo bizarro pero superaron el desafío a fuerza de talento, desparpajo y una demencial confianza en sí mismos. El encanto de lo excesivo representado en la magnética figura de su cantante. Pero no sólo se trató de la inmensidad escénica de Mercury.

La versión de Radio Ga Ga de Queen

El público, en cada uno de sus conciertos se convertía en el coro más grande del mundo. Con juego de luces, un sonido de una potencia infernal, escenografía, cambios de vestuario, diseño de escenario, lenguas de fuego. Era un espectáculo que conducía un showman único, un encantador de multitudes.

Uno de las cumbres de sus presentaciones en vivo fue la célebre presentación de 1985 en el Live Aid.

Poco más de un cuarto de hora que subyugó y terminó de cimentar el mito. 16 horas. Dos estadios. Más de 50 súper estrellas del rock. 1.500 millones de espectadores. Cientos de millones de dólares de recaudación. Más de 150 países conectados. 16 horas de televisación ininterrumpida. Un músico alcanza la canonización. Sobresale en esa aglomeración de talentos. Es Freddie Mercury.

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Bob Geldof, el organizador del evento benéfico televisado globalmente, dijo: “Fue el escenario perfecto para Freddie, la medida exacta para él: el mundo entero”

Hay artistas que logran que una imagen se convierte en icónica. Para él decenas de looks. Ninguno para pasar inadvertido: Originales, estentóreos, inolvidables, recordándonos siempre que él era una estrella y que todo se trataba de un show, un gran show.

Una imagen de uno de los últimos videos realizados por Queen. Freddie ya estaba enfermo y con maquillaje, el uso del blanco y negro y algunos efectos trataban de enmascarar su estado
Una imagen de uno de los últimos videos realizados por Queen. Freddie, enfermo y con maquillaje, el uso del blanco y negro y algunos efectos se usaron para enmascarar su estado

Al año siguiente, Queen realizó su última. Después primó el hermetismo y el trabajo en estudio.

A fines de los ochenta el deterioro físico de Mercury era evidente. Perdía peso y energías y sus apariciones públicas eran cada vez más escasas. Los rumores sobre la salud de Freddie se amontonaban en los diarios. En agosto de 1991, mientras los periodistas buscaban que alguna enfermera les diera información sobre la salud de Mercury. Pero se les pasó la noticia que Paul Prenter falleció como consecuencia del SIDA. Solo, abandonado, sin dinero y sin siquiera conseguir la atención final de la prensa que buscó con denuedo.

Tres meses después, el 23 de noviembre de 1991, el agente de prensa de Freddie Mercury dio a conocer un escueto comunicado que confirmaron los rumores y los peores temores de los fans: “En virtud de las enorme atención que la prensa brindó al asunto en las últimas dos semanas, deseo confirmar que dió positivo de HIV y que por lo tanto padezco de SIDA. Creía adecuado mantener en secreto esta situación hasta la fecha para conseguir la tranquilidad de quienes me rodean. Pero llegó el momento para que mis amigos y fans de todo el mundo conozcan la verdad y junto a los doctores me ayuden en la batalla contra esta terrible enfermedad”.

No hubo demasiado tiempo para conmociones. Era otra época y las noticias corrían más lento. Al día siguiente, el 24 de noviembre de 1991, Freddie Mercury moría en su mansión.

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Freddie Mercury cumpliría 76 años: el homenaje a su figura que más se está recordando estos días

Música

Lady Gaga deslumbró con «Chromatica Ball»

Un espectáculo que redefine el pop

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El sábado pasado, Lady Gaga demostró nuevamente por qué es una de las estrellas más brillantes del firmamento musical. Con el estreno global de su película recital «Chromatica Ball» en la plataforma Max. Este lanzamiento no es simplemente un registro de un concierto; es una obra cinematográfica que captura la esencia de su gira homónima de 2022, que abarcó Europa, Estados Unidos y Japón, con una especial presentación en el Dodger Stadium de Los Ángeles.

«Chromatica Ball» no es solo una muestra de su habilidad para dar espectáculos en vivo, sino también una narrativa visual cuidadosamente estructurada en cuatro actos, cada uno con su propia estética y recorrido sonoro. Dirigido, producido y editado por la propia Gaga, el documental se convierte en una experiencia inmersiva que va más allá de un concierto tradicional. Al igual que Taylor Swift con sus «Eras», Gaga utiliza estos actos para explorar diferentes facetas de su identidad artística.

El espectáculo inicia con una impresionante aparición de Gaga en un caparazón futurista

Casi inmovilizada, mientras suena «Bad Romance». Esta introducción da paso a una secuencia de éxitos como «Just Dance» y «Poker Face», donde se une a sus bailarines en coreografías dinámicas que electrizan la audiencia. El montaje del documental alterna entre tomas de Gaga, sus músicos, el público y vistas aéreas, capturando la energía y la magnitud del show.

 

 

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Cada acto de «Chromatica Ball» ofrece una visión diferente de Lady Gaga

En el primer acto, abre con «Alice«, cantando atada a una camilla de cemento, simbolizando la lucha por la libertad y la identidad.

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En el segundo acto, temas como «911» y «Telephone» muestran a Gaga bailando sin parar, subrayando su resiliencia y capacidad de transformación.

 

 

El tercer acto

Introducido con un vestuario dorado y la canción «Babylon», presenta a Gaga como la reina de su propio imperio pop, antes de sentarse en un piano decorado con raíces para interpretar «Born This Way», un himno de la comunidad LGBTIQ+. Este acto destaca su conexión profunda con sus seguidores y su papel como defensora de los derechos de esta comunidad.

 

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El último acto es una mezcla de emotividad y poderío vocal. Gaga, con una máscara con antenas, canta baladas como «Shallow» y «Always Remember Us This Way», mostrando su capacidad para conmover con su voz pura y su presencia escénica.

 

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El show culmina con «Hold My Hand», acompañada por una línea de fuego en el escenario, cerrando la noche con una poderosa declaración de su talento innato.

«Chromatica Ball» no solo celebra el regreso de Lady Gaga a los grandes escenarios después de su diagnóstico de fibromialgia en 2017, sino que también reafirma su estatus como una de las artistas más versátiles y relevantes de la música pop contemporánea. La película no solo hace que los espectadores sientan la energía del vivo, sino que también los invita a sumergirse en el universo creativo de una estrella que sigue reinventándose y desafiando los límites del espectáculo.

 

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Música

Un santiagueño acusa de plagio a Nicki Nicole por su ultima canción y «Coscu» salió a bancarlo

“Nicki Nicole me robó, me plagió o casualidad? así como lo escuchan, el nuevo tema que lanzó con videoclip y todo es igual a un tema que yo escribí y produje en 2018″

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La reconocida cantante rosarina Nicki Nicole se encuentra en el centro de una controversia tras ser acusada de plagio por un joven músico de Santiago del Estero. La denuncia surgió luego del lanzamiento de su nueva canción «Llamame».

La Denuncia en Redes Sociales

El joven músico, identificado en Instagram como @facuinfantex, utilizó su cuenta para expresar su frustración y acusar a Nicki Nicole de haber copiado una de sus canciones. Según él, la canción en cuestión fue escrita y producida por él en 2018. En su publicación, Facu Infante declaró: “Nicki Nicole me robó, me plagió ¿o casualidad? Así como lo escuchan, el nuevo tema que lanzó con videoclip y todo es igual a un tema que yo escribí y produje en 2018 y yo creo en las casualidades, pero tanto”.

Facu Infante añadió que, aunque cree en las coincidencias, encuentra demasiadas similitudes entre su canción y la de Nicki Nicole. Comentó que había trabajado en música con un chico de Rosario, quien podría estar relacionado con el equipo de Nicki Nicole, insinuando que podría haber ocurrido una transferencia de ideas sin su consentimiento.

Reacciones y Evidencias

El reclamo de Facu Infante no pasó desapercibido y  la cuenta de chismes Gossipeame lo viralizo rápidamente, que compartió capturas de pantalla mostrando las similitudes entre ambas canciones. Además, se reveló que la canción del joven tenía un «like» de Rusherking, lo cual podría sugerir que personas cercanas a Nicki Nicole estuvieron al tanto de la canción original.

En sus publicaciones, el joven denunciante subrayó: “Además de que el título y estribillo es prácticamente igual, les cuento que para ese tiempo ella no estaba pegada y teníamos un conocido en común con el que yo hacía música”. Facu Infante aseguró que su intención no era atacar a Nicki Nicole negativamente, sino más bien expresar su sorpresa y buscar reconocimiento por su trabajo.

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También el Santiagueño compartió en su Instagram con sus seguidores la reaccion de «Coscu»

La Respuesta de Nicki Nicole

Hasta el momento, Nicki Nicole no emitio una declaración pública sobre estas acusaciones. Los fanáticos y seguidores están a la espera de una respuesta que aclare la situación y posiblemente evite cualquier conflicto legal. Sin embargo, la expectativa es que Nicki Nicole se pronuncie en las próximas horas o días para abordar estas serias acusaciones.

Implicaciones Legales y Artísticas

Las acusaciones de plagio en la industria musical no son nuevas y pueden tener serias consecuencias legales y de reputación. Si bien muchos casos se resuelven fuera de los tribunales mediante acuerdos, la situación de Nicki Nicole pone en evidencia la delgada línea entre inspiración y plagio en la creación artística.

La comunidad musical y los seguidores de ambos artistas seguirán atentos al desarrollo de esta controversia, esperando una resolución justa y transparente que respete los derechos de todos los involucrados. Mientras tanto, «Llamame» sigue acumulando reproducciones, pero con una nube de incertidumbre sobre su originalidad.

Esta situación subraya la importancia de la ética y la originalidad en la música, así como la necesidad de proteger los derechos de los creadores, especialmente en una era donde

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Música

«Session 60» Bizarrap anunció su nuevo tema con un impresionante cortometraje codirigido por Armando Bo

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El reconocido productor argentino Bizarrap ha vuelto a sorprender a su audiencia con el anuncio de su próxima «Music Session 60», acompañado por un impresionante cortometraje de más de siete minutos. Este proyecto visual es codirigido por Bizarrap y el cineasta argentino ganador de un Premio Oscar, Armando Bo.

El cortometraje narra la historia del regreso de Bizarrap a sus oficinas

En el mismo se encuentra con un equipo renovado y la implementación de un avanzado laboratorio para crear música utilizando Inteligencia Artificial. La trama se desarrolla en un ambiente de tensión y curiosidad, culminando en una pelea que resulta en varios destrozos. Finalmente, Bizarrap, impulsado por su curiosidad, toma un dispositivo que lo lleva a descubrir el talento detrás de su nueva colaboración: la rapera dominicana Lismar.

Quien es Lismar la rapera dominicana

Quién es Lismar, la colaboración de la Bizarrap Music Session #60

Lismar, cuyo nombre real es Elvira Montana, es una joven rapera de 19 años que supo captar la atención del público por su habilidad para rapear en doble tempo, una técnica poco común en la escena musical actual. Su talento y dedicación a la música comenzaron a florecer desde temprana edad, cuando decidió estudiar guitarra, piano, canto, baile y pintura.

“Aunque todos me decían lo bien que cantaba, no me quise conformar con eso. Tomé clases de canto por dos años, lo que me permitió aprender técnicas de vocalización y desenvolvimiento”, comentó Lismar en una entrevista.

Cuando terminó su formación vocal en la academia, la pandemia de COVID-19 estaba en pleno apogeo. Durante este periodo, Lismar decidió volcarse en ayudar a los demás y componer sus propias canciones, que luego compartió en las redes sociales. Este enfoque no solo le permitió despejar su mente, sino también ganar millones de reproducciones en YouTube. Su talento fue descubierto a través de la página Freestyle Mania de Puerto Rico, donde participó en competencias de tiraderas, ganándose el respeto y la admiración del público con su capacidad creadora y su fraseo.

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Entre sus primeros éxitos se encuentran temas como:  “A mi mamá”, “Se llenan”, “Biografía” y “No me diga mah”. Lismar expresó en varias oportunidades que sus canciones se inspiran en las vivencias de personas cercanas y de su entorno, reflejando las realidades de los barrios y las experiencias de vida de quienes la rodean.

Lismar afirma tener varios proyectos en desarrollo, incluyendo nuevas canciones y colaboraciones con otros artistas. También planea explorar otros géneros musicales en el futuro. “Mis canciones tratan sobre vivencias de otros, de los barrios, de cercanos que hacen que la mente fluya y de esto salen mis canciones”, comentó en una entrevista con RC Noticias.

La «Session 60» de Bizarrap promete ser una colaboración explosiva con Lismar, uniendo el talento innovador del productor argentino con la fresca y potente voz de la joven rapera dominicana.

 

 

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