Murió Ace Frehley, el legendario guitarrista de Kiss y figura clave del rock mundial. Tenía 74 años y falleció tras sufrir una hemorragia cerebral provocada por un accidente doméstico.

El mundo del rock despide a una de sus figuras más emblemáticas: Paul Daniel “Ace” Frehley, histórico guitarrista y miembro fundador de Kiss, falleció este jueves a los 74 años. El músico estadounidense murió tras sufrir una hemorragia cerebral ocasionada por un accidente doméstico ocurrido semanas atrás.

Según confirmaron fuentes cercanas, Frehley había sido internado hace dos semanas y permanecía conectado a un respirador artificial, sin mostrar signos de mejoría. La noticia de su muerte fue comunicada por su familia a través de un comunicado en el que expresaron:

“Estamos completamente devastados y desconsolados. Ace fue un artista único, un padre amoroso y una inspiración para generaciones de músicos”.

El “Spaceman” que revolucionó el sonido de los ’70

Nacido en Nueva York en 1951, Ace Frehley fue uno de los miembros fundadores de Kiss, junto a Gene Simmons, Paul Stanley y Peter Criss. Con su característico maquillaje plateado y su guitarra Gibson Les Paul reluciente, se convirtió en el icónico “Spaceman” del grupo y en uno de los guitarristas más influyentes del hard rock de los años setenta.

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Durante su paso por la banda, fue responsable de algunos de los riffs más memorables del repertorio de Kiss, en clásicos como “Rock and Roll All Nite”, “Detroit Rock City”, “Cold Gin” e “I Was Made for Lovin’ You”. Su estilo, potente y melódico a la vez, definió el sonido del grupo y marcó a generaciones de guitarristas.

En 1982 decidió abandonar Kiss para iniciar su carrera solista con su proyecto Frehley’s Comet, con el que exploró un sonido más personal. Regresó al grupo en 1996 para la gira de reunión mundial y permaneció hasta 2002, año en que volvió a dedicarse de lleno a su carrera individual.

Legado inmortal y despedida del escenario

Además de su trabajo con Kiss, Ace Frehley se destacó como solista con temas como “New York Groove”, su versión del clásico de Hello que se convirtió en un himno del rock neoyorquino. En los últimos años realizó giras internacionales y mantuvo un vínculo cercano con sus fanáticos.

Su último concierto tuvo lugar el mes pasado en Rhode Island, donde interpretó varios clásicos de Kiss ante un público que lo ovacionó de pie.

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Con su partida, el rock pierde a un artista que llevó la guitarra eléctrica a otro nivel y que transformó la estética y la energía del género para siempre.

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Ace Frehley on how he wants to be remembered in 50 years:

“I’m gonna be on Mars. It doesn’t fuckin’ matter. This planet won’t be here in 50 years.”

Revisit the 1977 interview: https://t.co/Nr5QBBu1rr https://t.co/X9tLJ8TujM pic.twitter.com/qLCz9xLdkg

— Rolling Stone (@RollingStone) October 17, 2025

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Después de meses de rumores y señales en redes sociales, La Oreja de Van Gogh confirmó oficialmente el regreso de Amaia Montero como vocalista del grupo. La banda donostiarra anunció una nueva etapa que incluirá una gira internacional en 2026 y el lanzamiento de una canción inédita titulada Inspiración, parte de la cual ya fue revelada en un video publicado en sus redes.

Este movimiento marca el retorno de Montero después de 17 años de ausencia, tras haber dejado la banda en 2007 para iniciar su carrera solista. Durante ese tiempo, Leire Martínez fue la voz principal del grupo, hasta su salida en 2024, un desenlace que generó controversias por la frialdad del comunicado con que se dio a conocer.

Pablo Benegas se aparta, pero no se va

La noticia del regreso de Amaia Montero vino acompañada de otra sorpresa: el guitarrista y fundador Pablo Benegas no será parte de esta nueva etapa, aunque aclaró que no abandona el grupo.
“No dejo el grupo, pero no les voy a acompañar en esta etapa”, explicó Benegas, quien fue, junto con Xabi San Martín, el principal compositor de La Oreja de Van Gogh.

Fuentes cercanas aseguran que su decisión se debe al cansancio tras tres décadas de actividad ininterrumpida y a su deseo de dedicar más tiempo a su familia. En el comunicado oficial, firmado por “Álvaro, Haritz, Xabi y Amaia”, se le desea “todo lo mejor” y se deja abierta la posibilidad de un futuro reencuentro.

Un nuevo comienzo entre viejos amigos

El regreso de Amaia Montero no fue casualidad. En 2024, tanto ella como Benegas habían intercambiado mensajes afectuosos en redes sociales, lo que encendió las especulaciones sobre una reconciliación artística.
“Para mí tampoco nadie se compara a ti. Te quiero con el alma, Pablo”, escribió la cantante en aquel momento, luego de que el guitarrista elogiara su presentación junto a Karol G en el Santiago Bernabéu.

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Ahora, el grupo se reorganiza con Amaia Montero (voz), Xabi San Martín (teclados), Álvaro Fuentes (bajo) y Haritz Garde (batería), a la espera de incorporar un nuevo guitarrista para los conciertos previstos en grandes pabellones europeos y latinoamericanos.

La historia continúa (por ahora)

El comunicado de La Oreja de Van Gogh deja entrever que este reencuentro podría tener un carácter especial, incluso nostálgico. “Ha sido un año aquí en San Sebastián, nuestro escondite en el mundo, escribiendo nuevas historias y también recordando todas las anteriores”, expresaron.

La gira 2026 promete repasar los grandes éxitos de su etapa original con Montero —Rosas, Puedes contar conmigo, 20 de enero, La playa— y presentar nuevo material. Sin embargo, el futuro posterior a esos conciertos sigue siendo incierto: ni el grupo ni su entorno confirman si la banda continuará más allá del próximo año.

Por lo pronto, Amaia Montero vuelve al lugar donde comenzó todo, y los fans celebran una reunión que parecía imposible. Una etapa cierra, otra comienza, y La Oreja de Van Gogh vuelve a sonar con su voz original.

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Música– El 25 de septiembre de 2025, Milo J volvió a sacudir la escena con el lanzamiento de La vida era más corta. Con apenas 18 años, el artista deja claro que no quiere encasillarse en etiquetas como “trapero” o “promesa del género urbano. Con 15 canciones repartidas en dos discos, La vida era más corta apuesta por una fusión sonora que toma raíces del folclore argentino —chacarera, milonga, canto ancestral— y las funde con elementos urbanos contemporáneos como el trap y el art pop. La construcción del disco se presenta como un manifiesto íntimo y colectivo: es “un disco y un propósito”, en palabras del propio Milo J, y funciona como una reflexión sobre la memoria, la identidad y la fugacidad de la vida.

La producción principal recayó en Tatool, con aportes de Santiago Alvarado, y el propio Milo participó activamente tanto en composición como en decisiones creativas.

Colaboraciones que trascienden generaciones

El álbum logra tender puentes entre generaciones gracias a las voces invitadas. Milo canta con Trueno, Silvio Rodríguez, Soledad Pastorutti, Cuti y Roberto Carabajal, AKRIILA, Paula Prieto y hasta rescata registros de Mercedes Sosa en Jangadero.

Ese tema merece una mención especial: durante un mes entero en 2025, Milo trabajó junto a Afo Verde en la difícil tarea de integrar la voz de “La Negra” con respeto y sensibilidad. El joven se animó a cantar en octavas bajas —“el mayor desafío de mi vida”, según confesó— para que su voz dialogara con la inmortal presencia de Mercedes. El resultado es impactante: un diálogo póstumo entre un artista emergente del siglo XXI y una leyenda de la música popular argentina. En la grabación se escucha a Mercedes bromear con un “tiene que salir a la primera, eh”, mientras Soledad Pastorutti aporta matices y se suma al juego vocal. Lo que se produce en Jangadero es una fusión única, como si la muerte y las décadas nunca hubieran existido.

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Por ejemplo:

• En la canción Gil, colabora con Trueno, un acercamiento claro del disco hacia la zona urbana.

• Luciérnagas cuenta con la participación de Silvio Rodríguez, un gesto simbólico que cruza generaciones y geografías.

En medio de un mundo violento y desalmado con los más vulnerables: Luciérnagas de Milo J y Silvio.
Bellísimo, duro, conmovedor. Llorar de bronca, y seguir adelante buscando algo mejor para nuestra gurisada.pic.twitter.com/ERSUjIzIt5

— Eduardo Regueira (@eduregueira) October 1, 2025

Estas colaboraciones no son meros “featurings”; funcionan como nodos de resonancia que expanden las capas simbólicas del disco.

Temáticas: memoria, melancolía y confrontación

Desde su primer adelanto, Bajo de la piel, Milo J anticipó el tono emocional del disco: un registro crudo, introspectivo, atravesado por un “cargo de conciencia constante”. El álbum explora la nostalgia, el duelo, la identidad heredada y los “problemones setenteros y sin nombre” —como él mismo los define— que atraviesan el inconsciente colectivo argentino.

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Algunas canciones funcionan como territorios íntimos, casi confesionales, mientras que otras se expanden al ámbito político y social. El equilibrio entre lo personal y lo colectivo es una tensión permanente en el disco.

Crítica y recepción

Las primeras críticas fueron mayormente favorables. En Rolling Stone destacan su ambición y su carácter de “puente entre lo popular y lo experimental”. Los medios especializados subrayan la madurez inusual para alguien de su edad (18 años), así como su osadía al despojarse de la etiqueta de “promesa del trap”.

Algunos análisis señalan que la fusión de géneros puede ser arriesgada e irregular en puntos precisos, pero coinciden en que el disco es un paso firme hacia la consolidación artística de Milo.  En redes sociales, el álbum fue acogido con entusiasmo por seguidores que lo consideran su obra más ambiciosa hasta ahora.

¿Y qué viene ahora?

Para presentar el álbum en vivo, Milo J anunció un concierto en el Estadio Vélez para el 18 de diciembre, donde se convertirá en el artista más joven en tocar en ese recinto emblemático. Será la presentación oficial de La vida era más corta, un momento simbólico para consolidar esta nueva etapa.

El álbum ya está disponible en todas las plataformas digitales.

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